Interview mit God Is An Astronaut

  • Englische Version

    „Epitaph“, the latest album by the Irish post-rockers GOD IS AN ASTRONAUT is a multi-layered, challenging record that cannot be fully comprehended in its significance when knowing about its tragic backstory. More information about the heart-crushing events that shaped the record as well as why there still is some positivity to be found and what kept the band’s passion alive during all these years, can be read in the following interview.

    Your debut „The End Of The Beginning“ was released sixteen years ago. What, do you think, motivated you to keep GOD IS AN ASTRONAUT going through all these years?
    We are still very passionate about our music, writing music is a therapeutic process, it allows us to fully express ourselves and it’s never been more important than with “Epitaph” which is written in memory of our seven-year-old cousin whose life was tragically taken away.

    If you compare your first album with your latest, „Epitaph“, what in your opinion is the most notable sign of your progress as musicians?
    Firstly, each album has its own thing to say and “The End Of The Beginning” has aged very well. I would say the first album didn’t really showcase as much musicianship not that it should make any real difference. The first album was just myself and Niels, we had no live drum performances, they were programmed loops. The guitar lines were more direct, the timing signatures were all 4/4 unlike the new album which has many different timing signatures. The piano lines are more intricate on “Epitaph” too but I must stress I take very little value in looking at music in this way, being simplistic can be just as effective.

    Your songs are mostly instrumental. Do you think that too many vocals would be a disturbance in your music?
    We do use vocals a lot but more as a texture just like any of the instruments. We have many different layers to our melodies and to have a pushed lead vocal would simply overtake and conceal the other parts of the melody, which is why we prefer a blend.

    Instrumental post-rock is quite popular nowadays. Is it a good thing in your opinion that there are more and more bands are playing that style or do you think that this increases the risk of it becoming mediocre?
    Yes, some chart-topping music! I didn’t realize it’s currently popular being honest but I think it’s important that every artist’s work be judged separately and independently. It’s up to the listener to make their own determination of which groups have a genuine and honest validity.

    Would you say that this type of music and yours in particular is rather easy or hard to get into?
    I would say most listeners are accustomed to hearing lead vocals so that would not make it easy for many.

    Some parts of your tracks are quite raw. Would you say that you also have a connection to metal music?
    We grew up listening to metal music so it will always be a part of our taste and it will manifest itself in subtle ways.

    Is there one certain feeling that you want to transmit with the music of GOD IS AN ASTRONAUT or would you rather channel many different emotions within the listener?
    Many of our previous albums take you on a journey, escapism would be its main objective, but on this album, it’s primary aim is not the transport the listener away, its intention is to take you through to the dark, traumatic and sombre moments we had experienced.

    How much do you care about production? Do you think that your songs could have the same impact with a less accomplished sound?
    All of our songs work on a basic level, the song writing began on either an acoustic guitar or piano and can be mostly played without the added sound effects but I do think the added sounds can help build and environment and further enhance the content.

    Getting back to your new album: Ephemerality seems to be a central subject matter on „Epitaph“. For what reason were you concerned with this matter while creating the album?
    This album is written in memory of our seven-year-old cousin whose life was tragically taken. The album is dedicated to him and his memory, it is our way to say goodbye and to try to come to terms with this most tragic incomprehensible loss. This is something that we as family will never fully recover from so the subject matter is not about something short lived, there is nothing more permanent I can assure you!

    „Komorebi“ is the Japanese term for the light that shines through the leaves of a tree. How did you come up with the idea to dedicate a song to this phenomenon?
    The title “Komorebi” is a word from Japanese. Think of the interplay between light and leaves when sunlight shines through trees. This was partly inspired by the Djouce Forest here in Wicklow, nature brings solace to my heart and this place helped me reflect on life through its darkest moments, it was important to acknowledge both the uplifting environment but also the dark tragedy that had just occurred.

    „Medea“ seems to be darkest track to me. Would agree with that and if yes or no, why?
    Yes, I agree, never have we written something as dark before, it’s discordant notations which captures the true darkness of filicide.

    Please excuse me if this question is too personal or painful, but the song „Oisín“ is dedicated to your deceased cousin, isn’t it? My deepest condolences. What happened to him?
    “Oisín” was written on the day we received the most devastating news. I sat in front of my piano with so much emotion, once the first few notes poured out, it was as if the song had been written before and I had to try and remember to put it back together again. We wanted the song to capture his innocence and beauty and not any of tragedy’s ugliness, it had to be something that would be a fitting tribute to him, he was very happy boy and brought so much happiness to many people’s lives. As far as the events surrounding his death, I cannot go into any detail.

    Did creating this track help you coping with it in some way?
    Yes, I think music can convey an emotion when words simply fail. This record is very personal to us and to our extended family and has definitely helped us all take one step further in trying to come to terms with this overwhelming tragedy.

    Would you say that even though the album is quite bleak most of the time, it also has some positivity to it?
    While the music brings you to some of the dark, traumatic and sombre moments that we had experienced but it was important to capture the happier times and to have some hope for the future too.

    The artwork for „Epitaph“ was created by Fursy Teyssier. Are you friends with him or did you cooperate with him on a rather professional level?
    Sebastian from Napalm Records recommended him strongly. I was familiar with his group Les Discrets which we really like. We gave Fursy Teyssier a few songs and he came back with something that I knew was straight from his heart, it immediately resonated with us as it captured the entire sentiment of this album.

    I assume that the picture is connected to the background of „Oisín“, isn’t it? Did you give Fursy some kind of advice on how it should look?
    No, it’s simply his interpretation after listening to the title track “Epitaph” and “Mortal Coil”.

    What can your fans expect next from you?
    We will be actively supporting this record by touring in Europe, Russia, India and the US.

    Alright, thanks for taking the time.
    Thank you for the interview.

  • Deutsche Version

    Mit „Epitaph“ haben die irischen Post-Rocker GOD IS AN ASTRONAUT ein vielschichtiges, forderndes Album herausgebracht, dessen tiefe Bedeutsamkeit nur mit dem Wissen um dessen tragischen Hintergrund vollends begriffen werden kann. Was genau es damit auf sich hat, inwiefern es dennoch auch Positives auf der Platte zu finden gibt und was die Leidenschaft der Band all die Jahre über am Leben gehalten hat, erfahrt ihr im folgenden Interview.

    Euer Debüt „The End Of The Beginning“ liegt nun schon sechzehn Jahre zurück. Was, denkst du, hat euch all die Jahre über motiviert, GOD IS AN ASTRONAUT weiterzuführen?
    Wir sind immer noch sehr leidenschaftlich in Bezug auf unsere Musik, das Schreiben von Musik ist ein therapeutischer Prozess, der es uns erlaubt, uns voll auszudrücken, und es war nie wichtiger als bei „Epitaph“, das in Erinnerung an unseren siebenjährigen Cousin geschrieben wurde, der auf tragische Weise aus dem Leben gerissen wurde.

    Wenn du euer erstes Album mit eurem aktuellsten, „Epitaph“, vergleichst, worin äußert sich deiner Meinung nach am deutlichsten eure Entwicklung als Musiker?
    Erstens hat jedes Album seinen eigenen Standpunkt und „The End Of The Beginning“ ist sehr gut gealtert. Ich würde sagen, dass das erste Album nicht wirklich so viel Musikalität zeigte, nicht dass es einen wirklichen Unterschied machen sollte. Beim ersten Album waren es nur Niels und ich, wir hatten keine Live-Drum-Performances, es waren programmierte Loops. Die Gitarrenlinien waren direkter, die Takte waren alle 4/4, im Gegensatz zum neuen Album, das viele verschiedene Takte hat. Die Klavierlinien sind bei „Epitaph“ außerdem komplizierter, wobei ich aber betonen muss, dass ich sehr wenig Wert darauf lege, Musik auf diese Weise zu betrachten.

    Eure Songs sind überwiegend instrumental. Denkst du, Gesang wäre in zu großem Maß in euren Kompositionen ein Störfaktor?
    Wir verwenden sogar oft Vocals, aber eher als Textur, genau wie jedes andere Instrument. Unsere Melodien finden auf mehreren verschiedenen Ebenen statt und eine erzwungene Lead-Stimme würde die anderen Teile der Melodie einfach überdecken, weshalb wir eine Mischung bevorzugen.

    Instrumentaler Post-Rock erfreut sich inzwischen großer Beliebtheit. Findest du es gut, dass es mittlerweile so viele Bands in diesem Bereich gibt oder befürchtest du, dass das Genre dadurch der Mittelmäßigkeit preisgegeben wird?
    Ja, bei Musik, die in den Charts ist! Ich wusste nicht, dass es im Moment so populär ist, um ehrlich zu sein, aber ich denke, es ist wichtig, dass das Werk jedes Künstlers separat und unabhängig beurteilt wird. Es liegt am Zuhörer, zu entscheiden, welche Gruppen aufrichtig und mit Leidenschaft bei der Sache sind.

    Würdest du sagen, dass diese Art der Musik und eure im Speziellen eher leicht oder schwer zugänglich ist?
    Ich würde sagen, die meisten Zuhörer sind es gewohnt, Lead-Gesang zu hören, sodass es für viele sicher nicht einfach anzuhören ist.

    Zum Teil sind eure Tracks durchaus ziemlich rau. Würdest du sagen, dass ihr auch einen Bezug zu Metal-Musik habt?
    Wir sind mit Metal-Musik aufgewachsen, sodass sie immer ein Teil unseres Geschmacks sein wird und sich auf subtile Weise in unserem Sound manifestiert.

    Gibt es eine bestimmte Grundstimmung, die ihr mit GOD IS AN ASTRONAUT vermitteln wollt oder ist es euch wichtig, verschiedene Emotionen im Hörer auszulösen?
    Viele unserer vorherigen Alben nehmen den Hörer mit auf eine Reise, Eskapismus ist normalerweise das Hauptziel, aber auf diesem Album ist es nicht das Ziel, den Hörer an einen anderen Ort zu bringen, sondern ihn an die dunklen, traumatischen und düsteren Momente heranzuführen, die wir durchlebt haben.

    Wie wichtig ist dir persönlich die Produktion? Denkst du, eure Songs könnten auch mit einem weniger ausgefeilten Sound dieselbe Wirkung entfalten?
    Alle unsere Songs funktionieren auf einer grundlegenden Ebene, das Songwriting beginnt entweder auf einer Akustikgitarre oder einem Klavier und kann meist ohne zusätzliche Soundeffekte gespielt werden, aber ich denke, dass die hinzugefügten Sounds helfen können, Atmosphäre aufzubauen und den Inhalt weiter zu vertiefen.

    Zurück zu eurem neuen Album: Vergänglichkeit scheint auf „Epitaph“ ein zentrales Motiv zu sein. Warum genau hat euch diese Thematik bei der Entstehung des Albums beschäftigt?
    Dieses Album wurde in Erinnerung an unseren siebenjährigen Cousin geschrieben, dessen Leben auf tragische Weise geendet hat.
    Das Album ist ihm und der Erinnerung an ihn gewidmet, es ist unser Weg, uns zu verabschieden und zu versuchen, mit diesem tragischen, unfassbaren Verlust fertig zu werden. Das ist etwas, von dem wir uns als Familie nie ganz erholen werden, also geht es nicht um etwas Kurzlebiges, es gibt nichts Dauerhafteres, das kann ich dir versichern!

    „Komorebi“ ist der japanische Begriff für das Licht, das zwischen den Blättern eines Baumes durchscheint. Wie kamt ihr auf die Idee, diesem Phänomen einen Song zu widmen?
    Der Titel „Komorebi“ ist ein Wort aus dem Japanischen. Man denke dabei an das Zusammenspiel von Licht und Blättern, wenn das Sonnenlicht durch die Bäume scheint. Dies wurde teilweise durch den Djouce-Wald hier in Wicklow inspiriert, die Natur bringt meinem Herz Trost und dieser Ort half mir, über das Leben in seinen dunkelsten Momenten nachzudenken. Es war wichtig, sowohl die erhebende Umgebung als auch die dunkle Tragödie, die sich gerade ereignet hatte, zum Ausdruck zu bringen.

    „Medea“ scheint mir der finsterste Track des Albums zu sein. Würdest du mir da zustimmen und falls ja oder nein, aus welchem Grund?
    Ja, dem stimme ich zu, wir haben noch nie etwas so Dunkles geschrieben, es sind unharmonische Notationen, die die wahre Dunkelheit eines Kindsmords einfangen.

    Verzeih mir, falls die Frage zu persönlich oder schmerzhaft ist, aber der Song „Oisín“ ist eurem verstorbenen Cousin gewidmet, nicht wahr? Was genau ist mit ihm passiert?
    „Oisín“ wurde an jenem Tag geschrieben, an dem wir die verheerendste Nachricht erhielten. Ich saß mit so viel Emotion vor meinem Klavier, als die ersten Töne herauskamen, war es, als wäre das Lied schon einmal geschrieben worden, und ich musste versuchen, es wieder zusammenzusetzen. Wir wollten, dass das Lied seine Unschuld und Schönheit einfängt und nicht die Hässlichkeit der Tragödie, es musste etwas sein, das ihm eine angemessene Hommage sein würde, er war ein sehr glücklicher Junge und brachte so viel Freude in das Leben vieler Menschen. Was die Ereignisse um seinen Tod betrifft, kann ich nicht ins Detail gehen.

    Hat es euch geholfen, damit fertig zu werden, dass ihr diesen Track geschaffen habt?
    Ja, ich denke, Musik kann eine Emotion selbst dann vermitteln, wenn Worte einfach versagen. Diese Platte ist sehr persönlich für uns und unsere erweiterte Familie und hat uns allen definitiv geholfen, einen Schritt weiterzukommen, um mit dieser überwältigenden Tragödie fertig zu werden.

    Würdest du sagen, dass es auf eurem neuen Album trotz der niederdrückenden Grundstimmung auch positive Momente gibt?
    Obwohl einen die Musik zu einigen der dunklen, traumatischen und düsteren Momente bringt, die wir erlebt haben, war es wichtig, die glücklicheren Zeiten festzuhalten und auch etwas Hoffnung für die Zukunft auszudrücken.

    Das Artwork zu „Epitaph“ wurde von Fursy Teyssier angefertigt. Seid ihr mit ihm befreundet oder hat sich die Zusammenarbeit eher auf rein professioneller Ebene ergeben?
    Sebastian von Napalm Records hat ihn sehr empfohlen. Ich kannte seine Gruppe Les Discrets, die gefällt uns sehr gut. Wir gaben Fursy Teyssier ein paar Songs und er brachte etwas hervor, von dem ich wusste, dass es direkt aus seinem Herzen kam, es hallte sofort in uns wider, da es die gesamte Stimmung dieses Albums festhielt.

    Ich nehme an, das Bild hat mit den Hintergründen zu dem Song „Oisín“ zu tun, oder? Habt ihr Fursy dafür einen bestimmten Rahmen vorgegeben?
    Nein, es ist einfach seine Interpretation, nachdem er den Titelsong „Epitaph“ und „Mortal Coil“ gehört hat.

    Was dürfen die Fans als Nächstes von euch erwarten?
    Wir werden das Album durch Tourneen in Europa, Russland, Indien und den USA aktiv den Leuten nahebringen.

    Dann nochmals ein herzliches Dankeschön für deine Zeit.
    Danke für das Gespräch.