Interview mit Lucas Gadke von Völur

  • Englische Version

    With their unique mixture of doom metal and folk without any e-guitars VÖLUR already made a name for themselves on their EP „Disir“. This EP is now followed by the debut album „Ancestors“ which shows the band from an even more experimental side. In the following interview with bassist and singer Lucas Gadke, you can read more about how their songwriting is intuitive and planned at the same time, in which state of mind their music works best and why some of their lyrics are in German.

    Hello! Thanks for taking part in this interview. How are you doing?
    Hello, Lucas from VÖLUR here. We are doing well. I just got back from a European tour with my other band Blood Ceremony and now I’m back in VÖLUR gear and excited to tackle promoting our new record.

    Some of our readers might still be unfamiliar with you and your band VÖLUR. So, to get started, please introduce yourself shortly.
    Hello, we are VÖLUR, a trio from Toronto, Ontario. We like to write very long songs about wizards, saga heroes and Germanic myths. The band is myself, Lucas Gadke (bass and vocals), Laura C. Bates (violin and vocals) and James Payment of Do Make Say Think (drums). We like weird dark sounds and folk dances.

    Your music is quite experimental. So, there’s probably some listeners to whom your tracks are just too hard to get into. Did you already get some feedback like that from some people?
    My mom came to see us a while back and asked my brother „is this devil worship?“ That’s one opinion, but so far it’s been mostly positive feedback from people, except for some negative comments on MetalSucks. We’re trying to learn: „don’t read the comments.“ I haven’t heard personally anything negative specifically from anybody. I think metal listeners have a good capacity for complex music. And I think anybody that’s not going to give a 13-minute song a chance isn’t really our target audience so I’m not too terribly interested in losing them.

    Of course, your music does contain some really gripping melodies, but it’s far from easy listening. Is there some kind of border that you don’t cross when playing or composing so that the tracks don’t get too abstract or is potentially everything possible?
    We recorded a whole track on this record that didn’t get included on the album that was about 21 minutes long and had a 4 minute full on 12-tone composition string quartet section in the middle… we realised it would have been too demanding for even the most committed and adventurous listeners so we’re holding that one back for a future “single”. On the next record, we’re looking into doing a lot more free improv stuff as Laura and I have been listing to a lot of Alice Coltrane and Aluk Todolo. So we’re really not afraid of anything. But at the same time, I don’t want to push everything to be all insanity all the time. I want there to be a nice balance. So I’m also not afraid of having a passage that is in Bb major and completely consonant.
    When you’re composing abstractly you do have to check yourself occasionally, but still approach it in the same way that you must keep yourself in line when you’re composing melodically… like „Is this too corny?“ „Does this just sound like everything else?“ „Is this genuinely compelling?“ My goal is to try and not make boring music, or completely alienating music, playing dynamic and emotionally sincere music is our objective.

    Is your songwriting intuitive or rather consciously planned?
    It’s a healthy mix of both. Melodies and riffs come in snippets, sometimes inspired by a literary or mythological theme, or by another piece of music. And from that starting point we etch things out in detail. But the smallest details develop organically, as you play them together as a band. So the framework can be seen to emerge deliberately, but the nuance happens intuitively. Alternatively, a melody can happen spontaneously. I don’t want to shut myself out to anything.

    Your bandname VÖLUR derives from a female Nordic seer, right? This perfectly fit the topic of your EP „Disir“, however, on your debut full-length „Ancestors“ your lyrical subject is a slightly different one. In which way does the name still represent your musical work?
    I like to focus on the trance aspect of it. To recite a poem, to dance, to play music you have to lose yourself into the well of time and let the art flow through you. The Völur are female figures, and can be related to the Norns who can be seen to represent the three parts of time, past, present and future. And music very much exists in time, not apart from it, and you have to be conscious of all these. And the best way to do that is lose yourself in trance. And that’s what I strive to do when I play music. It happens sometimes, at the very best performances.
    So the name was less about the first EP and more about us as musicians. We are not Norns, who are like the Greek Fates, but we are merely humans trying to approximate what they do.

    Looking back, are you still satisfied with „Disir“ or would you change something?
    It’s impossible to change anything from the past really. I’m happy with how it turned out and how it acts as a snapshot of where we were at the time, compositionally. It’s a moody and repetitive record, and that’s exactly what I wanted to make. It was us getting to know ourselves and as a band, and considering it was only a one day recording and mix session, I think we learned a lot about ourselves.

    Stylistically, you stayed true to yourselves on „Ancestors“, however, there are far more growls and raw parts and the different elements seem to be more balanced in the course of the tracks. Would you agree on that and if so, what’s the reason for this?
    I do agree. I think that we’ve simply grown as composers and grown as a band. We’ve been playing together for about three years now, so we know what to expect from each other. And we know not to be reactionary, that things will take time to settle in. The addition of more growling and extreme parts came from us being able to stretch out as a group and on our instruments. I’ve got a kind of „everything and the kitchen sink vibe“ when I think about this band. I basically want to throw all the sounds I like into it. And I think that, when mixed with clean singing, growling or screaming can add an exceptionally emotional dimension. I’ve often felt, when I play loud noisy music, that there’s an element of transcendence, that the noise and the feedback will somehow carry you from this earthly world somewhere else. I know it’s not intellectually true but it feels that way. And the screaming helps with that.

    The album is longer than its predecessor, even though it also has four tracks. Why did „Ancestors“ demand longer compositions and why did you once more separate them into four tracks ?
    I don’t know if it demanded longer compositions, that’s just what was came out of our heads at the time. I based the songs on large, sprawling literary figures/ideas and therefore they require a fleshed out, sprawling pieces of music. But it was a challenge to myself to see if I could create a genuinely compelling long song. We’ve all heard some long jams that tend to trail off around the 8 minute mark, so I wanted to avoid length for length’s sake, that’s just how long the songs took.

    Is there something else that in your opinion makes „Disir“ and „Ancestors“ substantially different from one another?
    Well, we had a substantially longer time to record this album. Like I said, we did „Disir“ in one day, „Ancestors“ was done over a couple weeks of studio time over the span of a year, so we were able to flesh out the details a lot more, do more overdubs and actually, take our time and carefully consider the songs. To me that’s the biggest difference. There was even some room for experimentation in the studio. And of course, there’s way more vocals.

    How was the feedback on „Ancestors“ – also in comparison to „Disir“?
    So far the feedback has been really positive for „Ancestors“. We’ve had several people reach out to us out of the blue and say they just discovered us and really like the album which is heartening. We’ve got some great reviews from journalists we really respect. I was recently on tour with Blood Ceremony and brought some copies of the LP to sell along with me, and had some people come to the show to pick one up from the source, meaning I got to meet some fans, which is always a genuine pleasure.

    Is there a song or specific part on „Ancestors“, that is the most special to you, and if so, why?
    I’ve wanted to do a real heavy metal gallop for a long time and I got to do one on „Breaker of Famine,“ like a nice swinging triplet feel with a heavy riff. It was actually a riff that Laura brought to the table, and when she brought it, it felt almost like a gift. Like this really serious kind of fist pumping thing in the middle of all these slow riffs. I quite enjoy it. Feels like a fan blowing the hair back moment (I am bald for the record!).

    While on „Disir“ you dealt with the female figures of Nordic mythology, „Ancestors“ is dedicated to the male figures. In which way do these characters differ from one another?
    The biggest difference would have to be the degree to which they are fleshed out in the original text. Female figures in myths and the sagas are usually less written about so they’re more like composites of sketches rather than the fully formed male saga heroes. But in a way it was kind of freeing on „Disir“ because we could use our imaginations more. The characters discussed in „Ancestors“ are almost feel like real people (and they were), but it requires a bit more loyalty and interpretation. I don’t like to speak about the differences between men and women because I think that’s a little stale. The pieces generally reflect a meditation on a myth or a figure and the emotion that they bring to my heart. They’re not particularly based on an innate quality of gender.

    On the opening track „Breaker Of Silence“ you also sing in German, just like the first track on „Disir“ was called „Es wächst aus seinem Grab“. What’s the reason for this?
    I like German! I think it’s a beautiful language. I’ve been „learning“ it for about 4 years and I’m up to the point where I can walk into a bakery and buy bread.
    A while back I was reading about JRR Tolkien’s real life inspirations and I read that his inspiration for Gandalf came from a Swiss postcard of an old wizardly looking man that was called „der Berggeist“. I really liked that notion and kind of had this private dream of a primordial cosmic wizard figure on a mountaintop. So it seemed only fitting to sing it in German, as if he is stepping down off the mountain and into creation, and then flying across the sea. That’s what the song is about to me. Probably doesn’t make intellectual sense, but there you have it.

    All four songs begin with „Breaker Of“ and go on with one other word. What’s the meaning of this?
    It comes from an Old Norse expression. After a battle, the chieftain of a band of warriors would collect the gold arm rings from the slain. If he was a generous man he would break the rings into pieces and give them to his retinue. Therefore a generous man was called “breaker of rings”. We actually wrote and recorded a song with that name for the record (the one with the string quartet!), but due to time constraints we have not released it yet, but stay tuned for a single that is very dear to us… So I took that expression as a description of a man and mapped it onto the other qualities of the characters. Basically it was an attempt to give the record some kind of cohesive unity.

    Your vocals and growling are quite powerful, but still, your music is widely instrumental. Do you think, you could let the music do the talking and still express the whole concept?
    I don’t want to be lame and say „the voice is an instrument“, but I’m going to be lame and say just that. At first I wanted to be an all instrumental band, but vocals really just add a whole other timbre. That’s why the first record has so much chanting. Also, there’s only three of us, so we need to have the most amount of voices that we can!

    How important are lyrics to you compared to the music itself?
    Hopefully they work together as a cohesive whole and can add some context to the music and the concept. Unlike the music, the lyrics are written in a more spur of the moment fashion, and then edited and worked out later. I’m not sure if there’s a hierarchy of elements in this band, I know in pop music that the vocals are king, and I suppose for us there’s a big emphasis on the instruments.

    Considering how raw and powerful your music is, I imagine that your shows have a very special kind of energy. How important is doing gigs to you in comparison to working in the studio?
    I love playing live, it’s really the way I know how to work best. We recorded all the bed tracks together live off the floor for both records. We like to bring out the smoke and some dark images. My favourite part of playing this music live is using the dynamics in a live setting. If we’re playing well, getting close to that trance state, you can bring the focus of the room to a very small point in those quiet parts. You can have people listening intently and, dare I say it, sometimes you can hear a pin drop, that is if we are doing our job right. We are really hoping that we can do a tour in the future and are working on putting something together.

    According to the press info, you plan on doing more albums about Nordic mythology. Do you already know, what the next album will deal with and when it will be realised?
    That’s true, that’s where most of my inspiration comes from. The next album will deal mostly with more supernatural characters, gods, goddesses and their devotees. No idea on when it will be done. We’re writing, and you can’t force that. But we’ve got a couple new songs (long ones obviously) and are looking forward to getting back into the studio.

    Now, let’s go through our traditional Metal1.info-Brainstorming:
    World Religions: Some of the best music is religious, Qawwali is the shit.
    Gender: Let people be who they want to be. It’s none of my business really.
    Pagan/Viking Metal: „Blood Fire Death“ is a good record.
    President Trump: He’s very close to us here, geographically, and it makes me feel greasy.
    Modern technology: We had a guy buy our tape on Bandcamp from Israel, that’s pretty cool.
    VÖLUR in five years: Doing the score for the filmed adaptation of Hrafnkel’s Saga.

    Thank you once more for this interview. The final words shall be yours:
    Thanks for reading, folks! Feel free to check out the album and keep an ear out for our top secret tape series…

  • Deutsche Version

    Mit ihrer eigentümlichen Mischung aus Doom Metal und Folk, die ganz ohne E-Gitarren auskommt, haben VÖLUR bereits mit ihrer EP „Disir“ aufhorchen lassen. Nun liegt mit „Ancestors“ ihr vielversprechendes Debüt vor, das sogar noch experimenteller ausgefallen ist. Im folgenden Interview mit Bassist und Sänger Lucas Gadke erfahrt ihr mehr darüber, inwiefern das Songwriting der Band intuitiv und doch geplant ist, in welchem Sinneszustand ihre Musik am besten funktioniert und warum einige ihrer Texte deutsch sind.

    Guten Tag! Danke, dass du uns für dieses Interview zur Verfügung stehst. Wie fühlst du dich?
    Hallo, hier Lucas von VÖLUR. Uns geht’s gut. Ich komme gerade von einer Tour durch Europa mit meiner anderen Band Blood Ceremony und jetzt bin ich wieder mit VÖLUR beschäftigt und freue mich schon darauf, unser neues Album zu promoten.

    Manche unserer Leser werden dich und deine Band VÖLUR vielleicht noch nicht kennen, darum stell euch zuerst bitte kurz vor.
    Hallo, wir sind VÖLUR, ein Trio aus Toronto, Ontario. Wir schreiben gern lange Songs über Zauberer, Helden aus alten Sagen und germanische Mythen. Die Band besteht aus mir, Lucas Gadke (Bass und Gesang), Laura C. Bates (Geige und Gesang) und James Payment von Do Make Say Think (Drums). Wir mögen dunkle Klänge und Folk-Tänze.

    Eure Musik wirkt ziemlich experimentell. Da kann es leicht passieren, dass die Tracks manchen Leuten zu unzugänglich werden. Habt ihr solcherlei Rückmeldung schon mal bekommen?
    Meine Mutter kam vor einer Weile zu uns und fragte meinen Bruder: „Ist das Teufelsanbetung?“ Das ist eine Meinung, aber ansonsten kam von den Leuten überwiegend positives Feedback, abgesehen von ein paar negativen Kommentaren auf MetalSucks. Wir versuchen, zu lernen: „Lies niemals die Kommentare.“ Persönlich habe ich bisher noch nichts Negatives gehört. Ich denke, Metal-Hörer kommen gut mit komplexer Musik klar. Und ich denke, jemand, der nicht gewillt ist, einem 13-Minuten-Song eine Chance zu geben, ist nicht wirklich unser Zielpublikum, also stört es mich auch nicht, so jemanden als Hörer zu verlieren.

    Natürlich spielt ihr auch mitreißende Melodien, dennoch ist eure Musik alles andere als Easy Listening. Setzt du dir beim Komponieren und Spielen irgendwo eine Grenze, damit die Songs nicht zu abstrakt werden oder ist bei euch grundsätzlich alles möglich?
    Wir haben für die Platte einen Song aufgenommen, der ungefähr 21 Minuten lang war und in der Mitte eine vierminütige Zwölfton-Streicherquartett-Komposition hatte, der es dann aber nicht auf das Album geschafft hat… Uns ist klar geworden, dass das selbst für unsere ergebensten und abenteurlichsten Hörer zu fordernd gewesen wäre, also halten wir den Song noch zurück, um ihn in Zukunft als Single zu veröffentlichen. Auf unserem nächsten Release wollen wir ein bisschen mehr improvisieren, da Laura und ich in letzter Zeit viel Alice Coltrane und Aluk Todolo gehört haben. Wir haben da also keine Scheu. Allerdings will ich zur selben Zeit den Wahnsinn auch nicht zu weit treiben. Es soll gut ausbalanciert sein. Ich schrecke also auch nicht davor zurück, eine Passage einzubauen, die in Bb-Dur und komplett im Einklang ist. Wenn man abstrakt komponiert, muss man hin und wieder etwas reflektieren, aber das muss man auch, wenn man melodisch komponiert. „Ist das zu kitschig?“ „Klingt das wie alles andere?“ „Ist das wirklich mitreißend?“ Mein Ziel ist es, keine langweilige oder komplett befremdliche Musik zu machen, wir wollen dynamische und emotional ergreifende Musik kreieren.

    Ist euer Songwriting eher intuitiv oder genau durchgeplant?
    Es ist ein gesunder Mix aus beidem. Melodien und Riffs bilden kurze Ausschnitte, die manchmal von einem literarischen oder mythologischen Thema oder von anderer Musik inspiriert sind. Davon ausgehend arbeiten wir die Details heraus. Die kleinsten Details entwickeln sich jedoch organisch, wenn man als Band zusammen spielt. Der Rahmen entsteht also bewusst, die Nuancen hingegen intuitiv. Alternativ kann sich eine Melodie spontan ergeben. Ich will mich nichts gegenüber verschließen.

    Euer Bandname VÖLUR leitet sich von einer nordischen Seherin ab. Zur Thematik eurer EP „Disir“ passte das sehr gut, auf eurem Debüt „Ancestors“ besingt ihr nun jedoch etwas anderes. Inwiefern repräsentiert der Name deiner Meinung nach euer schaffen auch jetzt noch?
    Ich konzentriere mich gerne auf den Trance-Aspekt des Namens. Um ein Gedicht zu rezitieren, zu tanzen, Musik zu spielen, muss man sich ganz im Strom der Zeit verlieren und die Kunst durch einen fließen lassen. Völur sind sind weibliche Figuren und stehen in Verbindung mit den Nornen, die als die dreit Teile der Zeit angesehen werden können, die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft. Musik existiert in der Zeit, nicht davon getrennt, also muss man sich all dieser drei bewusst sein. Das geht am besten in Trance. Danach strebe ich, wenn ich Musik spiele. Manchmal klappt es, bei den besten Auftritten. Der Name bezieht sich also weniger auf unsere erste EP, sondern vielmehr auf uns als Musiker. Wir sind keine Nornen, die wiederum wie die griechischen Parzen sind, sondern einfach nur Menschen, die versuchen, es ihnen gleich zu tun.

    Bist du rückblickend mit „Disir“ noch zufrieden oder würdest du inzwischen etwas daran ändern wollen?
    Es ist unmöglich, etwas aus der Vergangenheit zu ändern. Ich bin zufrieden damit, wie es letztlich geworden ist und wie es den Punkt, an dem wir damals waren, als kompositorischer Schnappschuss festhält. Es ist eine stimmungsvolle und repetitive Platte und genau das wollte ich. Wir haben uns einzeln und als Band kennengelernt und wenn man bedenkt, dass es nur an einem Tag aufgenommen und gemixt wurde, denke ich, dass wir dabei viel über uns gelernt haben.

    Stilistisch seid ihr noch dieselben, aber auf „Ancestors“ gibt es wesentlich mehr Growls und rohe Passagen, außerdem sind die Stilmittel mehr auf die Songs verteilt. Stimmst du mir da zu und falls ja, was ist der Grund dafür?
    Ich stimme dir zu. Ich denke, wir sind einfach als Komponisten und als Band gewachsen. Seit drei Jahren spielen wir nun schon zusammen, also wissen wir inzwischen, was wir voneinander erwarten können. Und wir wissen, dass wir nicht vorschnell sein sollten, sondern dass die Dinge Zeit brauchen. Dass es mehr Growls und extreme Passagen gibt, liegt daran, dass wir uns als Gruppe mit unseren Instrumenten freier bewegen konnten. Ich mag es einfach, all die Sounds, die mir gefallen, einzubauen. Und ich denke, wenn man es mit Klargesang mixt, haben Growling und Screaming eine zusätzliche emotionale Dimension. Mir kommt es oft so vor, dass da ein Element von Transzendenz ist, wenn ich laut spiele, und dass einen die Sounds und das Feedback irgendwie dieser irdischen Welt entreißen. Ich weiß, dass das intellektuell betrachtet nicht wahr ist, aber so fühlt es sich an. Das Screaming hilft dabei.

    Das Album ist länger als sein Vorgänger, es sind jedoch erneut vier Songs. Warum verlangte „Ancestors“ längere Kompositionen und warum ist die Aufteilung auf vier Songs für euch optimal?
    Ich weiß nicht, ob es längere Kompositionen verlangte, so ist es eben in unseren Köpfen entstanden. Ich habe die Songs auf großen Figuren und Ideen basieren lassen, also brauchte es ausgedehnte Musikstücke. Allerdings war es eine Herausforderung für mich, ob ich einen packenden, langen Song kreieren kann. Wir alle haben schon Langtracks gehört, sich etwa um die 8-Minuten-Marke verlieren, also wollte ich vermeiden, Länge nur um der Länge willen anzustreben. Es wurde eben einfach so lang.

    Gibt es noch etwas Bestimmtes, das „Disir“ und „Ancestors“ deiner Meinung nach grundlegend unterscheidet?
    Nun, wir haben wesentlich mehr Zeit, um das Album aufzunehmen. Wie gesagt, „Disir“ haben wir an einem Tag kreiert, für „Ancestors“ waren wir hingegen im Verlauf eines Jahres mehrere Wochen im Studio. Deshalb konnten wir die Details viel genauer herausarbeiten, mehr Schichten darüberlegen und uns die Zeit nehmen, aufmerksam die Songs abzuwägen. Für mich ist das der größte Unterschied. Wir hatten sogar die Möglichkeit, im Studio ein wenig zu experimentieren. Und natürlich gibt es viel mehr Gesang.

    Wie ist das Feedback zu „Ancestors“ ausgefallen – auch im Vergleich zu eurer EP?
    Das Feedback zu „Ancestors“ war bisher sehr positiv. Einige Leute haben aus dem Nichts die Fühler nach uns ausgestreckt und gesagt, dass sie uns eben erst entdeckt haben und dass sie das Album sehr mögen, was wirklich herzerwärmend ist. Wir haben ein paar tolle Reviews von Journalisten, die wir respektieren, bekommen. Kürzlich war ich mit Blood Ceremony auf Tour und nahm ein paar Kopien der CD mit mir, um sie zu verkaufen und ein paar leute kamen zur Show und holte sie sich direkt von der Quelle, also traf ich ein paar neue Fans, was immer ein großes Vergnügen ist.

    Gibt es einen Song oder einen Abschnitt auf „Ancestors“, der dir besonders viel bedeutet, und falls ja, warum?
    Ich wollte schon lange einen Heavy-Metal-Galopp einbauen und das habe ich auf „Breaker Of Famine“ gemacht, eine coole Triole mit einem harten Riff. Es war sogar ein Riff, das Laura auf den Tisch gebracht hat und das war wie ein Geschenk. Inmitten dieser langsamen Riffs schlagen die Fäuste aufeinander. Das finde ich echt gut. Da möchte man gleich die Haare durch die Luft fliegen lassen (und ich habe eine Glatze, für’s Protokoll!).

    Während ihr auf „Disir“ das Weibliche in der nordischen Mythologie thematisiert habt, ist „Ancestors“ dem Männlichen gewidmet. Worin genau unterscheiden sich diese charakterlich?
    Der größte Unterschied ist wohl, wie genau sie im Originaltext beschrieben werden. Über weibliche Figuren wird in den Mythen und Sagen für gewöhnlich weniger geschrieben, das sind dann eher Zusammenstellungen von Skizzen im Vergleich zu den Sagen über männliche Helden. In gewisser Weise war das sogar befreiend, da wir so auf „Disir“ unsere Fantasie spielen lassen konnten. Die Charaktere auf „Ancestors“ fühlen sich mehr wie echte Menschen an (die sie ja waren), aber dabei brauchte es mehr Loyalität und Interpretation. Über die Unterschiede zwischen Männern und Frauen spreche ich nicht gern, da ich denke, dass das ein wenig ausgeluscht ist. Die Stücke reflektieren die Meditation über einen Mythos oder eine Figur und die Emotion, die ich damit in meinem Herzen in Verbindung bringe. Dabei geht es nicht um die angeborenen Qualitäten von geschlechtern.

    Im Opener „Breaker Of Silence“ singt ihr auch auf deutsch, auf „Disir“ gab es einen Track namens „Es wächst aus seinem Grab“. Was ist der Grund dafür?
    Ich mag Deutsch! Ich finde, es ist eine schöne Sprache. Ungefähr vier Jahre lang habe ich es gelernt, sodass ich in eine Bäckerei gehen und Brot kaufen kann. Vor einer Weile habe ich über die Inspirationen von J.R.R. Tolkien gelesen und da stand, dass seine Inspiration für Gandalf eine Schweizer Postkarte war, auf der ein alter, wie ein Zauberer aussehender Mann zu sehen war, der „der Berggeist“ hieß. Mir gefiel das und ich hatte diese Vorstellung von einem ursprünglichen, kosmischen Zauberer auf einer Bergspitze. Es schien also nur passend, auf Deutsch zu singen, wie er vom Berg hinunter in die Schöpfung herabsteigt und über die See fliegt. Darum geht es in dem Song für mich. Das macht vielleicht nicht wirklich Sinn, aber so ist es eben.

    Alle vier Songs beginnen mit „Breaker Of“ und beinhalten ein weiteres Wort. Was hat es damit auf sich?
    Das bezieht sich auf eine alte nordische Redewendung. Nach einer Schlacht sammelte der Anführer einer Meute Krieger die goldenen Armringe der Gefallenen. Wenn er ein großzügiger Mann war, dann brach er die Ringe in Stücke und verteilte sie in seinem Gefolge. Ein großzügiger Mann wurde also „Breaker Of Rings“ genannt. Wir schrieben für das Album sogar einen Song, der so hieß (der mit dem Streicherquartett!), aber aus zeitlichen Gründen haben wir ihn noch nicht veröffentlicht. Doch haltet die Augen offen, diese Single bedeutet uns sehr viel… Ich nahm also diesen Ausdruck der Beschreibung eines Mannes und übertrug ihn auf die anderen Qualitäten der Charaktere. Es war praktisch ein Versuch, der Platte eine Art Einheit zu verleihen.

    Gesang und Growling sind bei euch sehr eindringlich, dennoch ist eure Musik über weite Strecken instrumental. Denkst du, ihr könntet eure Musik auch für sich sprechen lassen und damit dennoch das Konzept wiedergeben?
    Ich will nicht so lahm sein und sagen „die Stimme ist ein Instrument“, aber ich bin jetzt einfach mal lahm und sage es. Ursprünglich wollte ich, dass es eine pur instrumentale Band ist, aber Gesang gibt dem Ganzen einfach ein ganz anderes Timbre. Deshalb ist die erste Platte so voll von Gesang. Außerdem sind wir nur zu dritt, also brauchen wir so viele Stimmen wie möglich!

    Wie wichtig sind dir die Texte im Vergleich zur Musik?
    Beide wirken hoffentlich als ein Ganzes zusammen und können der Musik und dem Konzept etwas Kontext hinzufügen. Im Gegensatz zur Musik sind die Texte eher spontan geschrieben und später überarbeitet. Ich bin mir nicht sicher, ob es da bei uns eine Hierarchie gibt. Ich weiß, dass in Popmusik der Gesang König ist, bei uns liegt wohl ein Großteil des Fokus auf den Instrumenten.

    So roh und urgewaltig wie eure Musik ist, kann ich mir vorstellen, dass eure Konzerte eine ganz eigene Energie ausstrahlen. Wie wichtig ist dir live spielen im Vergleich zu der Arbeit um Studio?
    Ich liebe es, live zu spielen, so arbeite ich am besten. Wir haben alle Tracks für beide Alben live aufgenommen. Wir mögen es, mit Rauch und dunklen Bildern zu arbeiten. Mein Lieblingsaspekt darsan, diese Art von Musik zu spielen, ist es, diese Dynamik live rüberzubringen. Wenn man gut spielt und nahe an diesen Zustand der Trance herankommt, kann der Fokus im Raum auf diesem kleinen Punkt in den ruhigeren Parts zum liegen kommen. Man bringt die Leute dazu, bedächtig zu lauschen und ich erlaube mir , zu sagen, dass man dann sogar eine Nadel fallen hören kann, wenn wir unseren Job richtig machen. Wir hoffen, dass wir in Zukunft eine Tour machen können und wir arbeiten schon daran, etwas auf die Beine zu stellen.

    Laut dem Pressetext sind noch weitere Alben mit Bezug zur nordischen Mythologie geplant. Wisst ihr schon konkret, worum es auf der nächsten Platte gehen wird und wann ihr sie umsetzt?
    Das ist wahr, daraus ziehe ich den Großteil meiner Inspiration. Das nächste Album wird hauptsächlich übernatürliche Charaktere wie Götter, Göttinnen und ihre Untertanen thematisieren. Keine Ahnung, wann es so weit sein wird. Wir schreiben, aber das kann man icht erzwingen. Aber wir haben schon ein paar Songs (lange, natürlich) und wir freuen uns schon darauf, wieder ins Studio zu gehen.

    Gehen wir nun noch unser traditionelles Metal1.info-Brainstorming durch:
    Weltreligionen: Die beste Musik ist zum Teil religiös, Qawwali ist der Wahnsinn.
    Gender: Lasst die leute sein, wer sie sein wollen. Das geht mich wirklich nichts an.
    Pagan/Viking Metal: „Blood Fire Death“ ist eine gute Platte.
    Präsident Trump: Geographisch ist er uns sehr nahe, dadurch fühl ich mich selbst ganz schmierig.
    Moderne Technologie: Ein Typ aus Isreal hat unsere Musik auf Bandcamp gekauft, das ist ziemlich cool.
    VÖLUR in fünf Jahren: Machen den Soundtrack für die Filmadaption von Hrafnkel’s Saga.

    Nochmals vielen Dank für dieses Interview. Möchtest du unseren Lesern noch etwas mitteilen?
    Danke für das Lesen, Leute! Checkt ruhig unser Album aus und haltet ein Ohr offen wegen unserer geheimen Tape-Serie…