Interview mit Niklas Sundin von Mitochondrial Sun

  • English Version

    With „Mitochondrial Sun“, Niklas Sundin, founding member and guitarist of Dark Tranquillity, has released the debut of his electronic solo project of the same name – a piece of art as versatile as it is coherent, which also has a significant visual component. Why Sundin put aside his main instrument for MITOCHONDRIAL SUN, to what extent the project was connected with a learning process for him, which might even affect Dark Tranquillity, and why he did not want to release the album under his own name can be read in the following interview.

     

     

    Your electronic solo project, with which you recently released your first album, is called MITOCHONDRIAL SUN. What is the idea behind this rather cryptic name?
    It reflects the main theme of the album – the exploration of contrasts and making a connection between the small and the large. Both stars and mitochondria are powerhouses, but on a very different scale, and the „sun“ part also hints at the somewhat space related part of the music. However, it’s not meant to be over-analyzed or to be some grand mission statement. Above all, it’s a decent band name that hasn’t been used by someone else. Even if the „band“ is just me, it’d feel too egocentric to release an album under my own name, and it’d also give the impression that this somehow is a more authentic representation of myself that what I’ve done in the past, which isn’t the case – it’s just a different side being expressed.

    You founded MITOCHONDRIAL SUN during a break from Dark Tranquillity, right? How did you get the idea to do electronic music in particular?
    The idea of trying to create electronic music had been around for a very long time, but I was always too busy with other projects and life in general. When I had a kid and therefore decided to sit out on the „Atoma“ touring cycle, there suddenly was a bit more time available. Not a lot by any means, but enough to sit down in my home studio on occasional evenings and just toy around with ideas. I don’t have a good answer to why it became electronic music and not something else, but in general I think that side projects in a too similar style as one’s main band is a bit pointless. I also needed something where I easily could work on my own whenever I wanted to as opposed to having to go to a rehearsal room or coordinate schedules between several people in order to make things happen.

    Up until now many people knew you mainly for your guitar playing. Was there a reason for you to distance yourself from your primary instrument on your solo album?
    It seemed like a nice challenge. I approached this as a big learning experience, and from that perspective it probably would have been a bit too easy to just plug the guitar in and let that dictate the direction of the music. In fact, the parts on the album (on „Nyaga“ for example) that sound like distorted guitars are actually synthesizers as well. All in all, I think that this project also made me a bit more passionate about my main instrument again. I barely touched a guitar for 2-3 years, but now it feels inspiring almost every time when I pick one up.

    Keyboards and electronic sounds aren’t taboo in Dark Tranquillity either, at least not since „Projector“. Did you even get some inspiration for your solo project from your main band?
    I was definitely inspired by seeing Martin Brändström (Dark Tranquillity’s keyboardist, who also helped me out on some parts of the album) work on the Dark Tranquillity albums and building his arrangements by adding various layers and textures of sound. There’s something appealing about composing music as opposed to being limited by what you’re able to play yourself on a particular instrument, and this is what I wanted to explore. One can start out with a chord sequence or a melody and it can take on almost any sonic form imaginable, which is very different from working within the usual band paradigm where you always write within the boundaries of drums, bass and two distorted guitars. There are great things about having those boundaries for sure, but it was fun to do something different this time.

    Do you think that your experiences with MITOCHONDRIAL SUN could conversely have an effect on your work in Dark Tranquillity?
    I do think that I’ve become a better musician by „forcing“ myself not to be depending on the guitar for my writing. In a way, it’s easier for me now to come up with ideas and arrangements in my head rather than only when having a guitar in my hands, but it’s also very abstract and hard to know to what extent this will influence my metal riff-/songwriting.

    Which electronic music artists do you personally enjoy listening to?
    A lot of my fave artists in the field are those that have been around for a very long time (Depeche Mode, Mike Oldfield, Kraftwerk, Lamb etc), and of course the term „electronic music“ can mean a lot of things and include artists that sound very different from each other. I guess that Ulver’s „Perdition City“ always has been a favourite (and maybe one can hear that on the MITOCHONDRIAL SUN album even though most songs aren’t very urban in feel). As for more contemporary artists, I can name Kite, Max Cooper and Nils Frahm – but on the whole I’m not very updated.

    Electronic music is known to be a broad field. Was it difficult for you to acquire an overview of your possibilities and the necessary technical knowledge?
    Yes and no. The goal was just to make something that I can be proud of myself, and then it doesn’t matter wether some seasoned electronic music veteran thinks that it sounds like a beginner’s attempt or isn’t technically „correct“ according to genre standards. We were pretty early in Dark Tranquillity with using DAWs such as Cubase as working tools, so I was already familiar with how to go about things technically. The learning process was more about figuring out how to arrange the music and tweak the individual sounds and instruments to get as close to my vision as possible. And without the help of the session musicians and the great mixing skills of Anders Lagerfors, things certainly would have sounded less impressive.

    Synthesizers and the like are not always popular among metalheads. Did you therefor have to take some criticism regarding MITOCHONDRIAL SUN?
    I’m sure that a lot of people roll their eyes at an „experimental electronic project“ by a metal guitarist, but that’s completely fine. I also think that this is an album where you really need to focus on the listening in order for the songs to „reveal“ themselves, so from that perspective I can understand if someone finds it a bit boring if they’re just playing it as background music while doing other things. However, I do think that a lot of metalheads are pretty open to synthesizer music (even Fenriz had his Neptune Towers back in the day) as long as it’s – for the lack of a better term – dark and atmospheric, and Dark Tranquillity fans certainly are no strangers to it.

    While it is exciting to experiment with other styles, there is often the danger of losing the thread. Did you sometimes have to pull yourself together consciously in order not to drift off too much in the songs?
    All the time! (laughs) Having your own project as opposed to writing music with other people can be both a blessing and a curse. The songs were re-arranged and changed so many times that I was completely fed up more than once, and it often happened that I was on version seven or so before realizing that one of the earlier versions was much better. But it’s all part of the process and probably would happen regardless of the music style. It’s more a product of being the sole writer as opposed to collaborating with others.

    In fact, the songs on your self-titled debut album are very different from each other. What is in your opinion the link between the tracks?
    Yes, the idea was for each song to have its own style and its own set of sounds. I thought of the album like a movie soundtrack, where there often can be a very big range of different moods but there’s a shared general vibe. I think that the production really succeeded in making the songs gel with each other. The mixing studio has a lot of old vintage equipment and strange devices that made everything sound great as a coherent unit even though some of the songs don’t have much in common with each other on a purely musical level.

    The songs on the album are mostly instrumental. Did you also think about including singing in the songs or was it clear from the beginning until the end that this wouldn’t be necessary?
    Many of my favourite musicians (Nick Cave for example) are great storytellers that really can capture something genuine in their lyrics and transmit it to the listener, but for this particular album I wanted to keep things instrumental in order to have it as open and free for interpretation as possible. Instrumental music is able to trigger the listener’s imagination in a way that’s not possible when decorating the music with words. At the same time, there’s a „theme“ on the album – though not overly expressed – revolving around time and evolution, and I thought that it’d be interesting to just have a few lines of spoken word that would sum up the essence, so to speak.

    After „The Void Begets“ and „Entropy’s Gift“ which have a sense of wonder to them, „The Great Filter“ closes the record in a rather oppressive way. Why is it that a „happy ending“ would have been inappropriate here in your eyes?
    Well… If we see the album as a reflection of our evolutionary timeline – starting off with „Ur Tehom“ being the birth of simple organisms and the later parts of the album being more future-focused, I don’t think that we’re necessarily up for a happy ending as a species. However, I wanted the song to be ambiguous and to give the impression that things could go either way, which also is why the final part of the song is an ambient drone where there’s also some „life“ and hopeful sounds sparkling around among the noise. But this is just my own interpretation and also part of the reason why I think that the album works best being instrumental. The song titles give a clue about the general direction, but if I would have tried writing lyrics and provide an explanation to everything in the booklet and interviews, a lot of the appeal and „magic“ would have been gone. In my view, albums that try too hard to be conceptual usually fail (the exception being Sabbat’s „Dreamweaver“, which is completely perfect in every aspect).

    On „Mitochondrial Sun“ there’s also some guest musicians to be heard. Was the work on the album therefore more effort than you originally planned?
    No, it went pretty smooth. There were some instruments that I wanted for the songs (cello, vibraphone etc) but that I can’t play myself, and I was fortunate enough to find really good session musicians for those parts. 20 years ago, it probably would have been a logistical nightmare, but these days it’s so easy to just send recordings over the web.

    How did the collaboration with the guest musicians work out – did you approach them with a concrete idea or did you just let them do their thing and see what happens?
    A bit of both. In some cases, I had a very specific idea of what I wanted and in others it was more open – and I’d be crazy not to use the input and expertise of these people when it comes to their own instrument.

    Animated music videos have already been released for many of the tracks. Why did you also put so much work into the visualization instead of just releasing the music for yourself?
    Good question! (laughs) I’m actually still working on some of the videos and definitely underestimated the amount of time required. The main idea was that this kind of music can be a bit „empty“ without a broader context, and since I also work as a graphic designer and enjoy making videos, it was easy to connect the dots and start planning. Hopefully the next real video can be released pretty soon, but I also think that it’s not necessarily a big problem if it takes longer than expected. I’d rather release a really well-made clip in three months from now than to rush it out tomorrow.

    I guess you are probably already well occupied again with Dark Tranquillity. Do you think that you will still be able to spare time for MITOCHONDRIAL SUN in the future?
    Absolutely. The debut album was completely finished over a year ago, and most of the songs were written already back in 2016 and 2017, so I’ve had time to make more music. I actually hope that there will be two new MITOCHONDRIAL SUN releases this year – one that’s relatively similar to the debut album in style and one that’s very different.

    I would like to end the interview at this point with our traditional Metal1.info brainstorming. What do you think about the following terms?
    Climate crisis: Maybe it’s time to bring in the „Climate controller“ that Nocturnus were singing about…
    Dubstep: I know that it’s a music genre, but that’s about it.
    Biology class: Always interesting.
    The future of music: Exciting! It’s easy to say that things were better in the past, but I see a lot of potential in how things are now.
    Movie soundtrack: Would love to work on one. Very hard field to get into though…
    Outer space: Certainly worth exploring. Inner space too.

    Thanks again for your answers. Is there anything else you would like to say to the readers at this point?
    Thanks for the interview! I don’t have anything to add, but would of course invite your readers to check the album out if they think that it might be something for them.

  • Deutsche Version

    Mit „Mitochondrial Sun“ hat Niklas Sundin, Gründungsmitglied und Gitarrist von Dark Tranquillity, das Debüt seines gleichnamigen Electronic-Soloprojekts herausgebracht – ein so vielseitiges wie in sich schlüssiges Werk, das darüber hinaus auch über eine bedeutsame visuelle Komponente verfügt. Warum Sundin sein Hauptinstrument für MITOCHONDRIAL SUN zur Seite gelegt hat, inwieweit das Projekt für ihn mit einem Lernprozess verbunden war, der sich sogar auf Dark Tranquillity auswirken könnte, und warum er das Album nicht unter seinem eigenen Namen veröffentlichen wollte, ist im folgenden Interview nachzulesen.

     

     

    Dein Electronic-Soloprojekt, mit dem du kürzlich dein erstes Album veröffentlicht hast, nennt sich MITOCHONDRIAL SUN. Welche Überlegung steckt hinter diesem doch ziemlich kryptischen Namen?
    Er spiegelt das Hauptthema des Albums wider – die Erforschung von Kontrasten und die Herstellung einer Verbindung zwischen dem Kleinen und dem Großen. Sowohl Sterne als auch Mitochondrien sind Kraftwerke, aber in einem ganz anderen Maßstab, und der „Sonnen“-Teil deutet auch auf den etwas weltraumbezogenen Teil der Musik hin. Er sollte jedoch nicht überanalysiert werden oder ein großes Statement sein. Vor allem ist es ein anständiger Bandname, der noch nicht von jemand anderem benutzt wurde. Auch wenn die „Band“ nur ich bin, würde es sich zu egozentrisch anfühlen, ein Album unter meinem eigenen Namen zu veröffentlichen, und es würde auch den Eindruck erwecken, dass dies irgendwie eine authentischere Darstellung meiner selbst ist als das, was ich in der Vergangenheit getan habe, was nicht der Fall ist – es wird hier nur eine andere Seite zum Ausdruck gebracht.

    Du hast MITOCHONDRIAL SUN während einer Auszeit von Dark Tranquillity gegründet, richtig? Wie bist du dabei gerade an elektronische Musik geraten?
    Die Idee, elektronische Musik zu machen, gab es schon sehr lange, aber ich war immer zu sehr mit anderen Projekten und dem Leben im Allgemeinen beschäftigt. Als ich Vater wurde und deshalb beschloss, auf dem „Atoma“-Tourzyklus auszusetzen, stand mir plötzlich etwas mehr Zeit zur Verfügung. Nicht sehr viel, aber genug, um mich abends gelegentlich in meinem Heimstudio hinzusetzen und einfach mit Ideen zu spielen. Ich habe keine gute Antwort darauf, warum es elektronische Musik wurde und nicht etwas anderes, aber im Allgemeinen denke ich, dass Nebenprojekte mit einem zu ähnlichen Stil wie die eigene Hauptband ein bisschen sinnlos sind. Ich brauchte auch etwas, an dem ich jederzeit problemlos alleine arbeiten konnte, wann immer ich wollte, anstatt in einen Proberaum zu gehen oder Termine zwischen mehreren Leuten zu koordinieren, um die Dinge in Gang zu bringen.

    Bislang kannten dich wohl viele vor allem für dein Gitarrenspiel. Gab es einen Grund dafür, dass du für dein Soloalbum von deinem primären Instrument Abstand genommen hast?
    Es schien eine schöne Herausforderung zu sein. Ich bin das als eine große Lernerfahrung angegangen und aus dieser Perspektive wäre es wahrscheinlich ein bisschen zu einfach gewesen, einfach die Gitarre einzustecken und sich die Richtung der Musik von ihr diktieren zu lassen. Tatsächlich sind die Teile auf dem Album (zum Beispiel auf „Nyaga“), die wie verzerrte Gitarren klingen, tatsächlich auch Synthesizer. Alles in allem denke ich, dass dieses Projekt in mir auch wieder ein bisschen mehr Leidenschaft für mein Hauptinstrument geweckt hat. Ich habe zwei bis drei Jahre lang kaum eine Gitarre angefasst, aber jetzt fühlt es sich fast jedes Mal inspirierend an, wenn ich eine Gitarre in die Hand nehme.

    Keyboards und Electro-Sounds sind spätestens seit „Projector“ auch bei Dark Tranquillity kein Tabu mehr. Hast du aus deiner Hauptband demnach auch Inspiration für dein Soloprojekt ziehen können?
    Ich wurde definitiv dadurch inspiriert, wie Martin Brändström (Dark Tranquillitys Keyboarder, der mir auch bei einigen Teilen des Albums geholfen hat) an den Dark-Tranquillity-Alben arbeitete und seine Arrangements durch das Hinzufügen verschiedener Klangschichten und -texturen aufbaute. Es hat etwas Ansprechendes, Musik zu komponieren, ohne von dem, was man selbst auf einem bestimmten Instrument spielen kann, begrenzt zu sein, und genau das wollte ich erforschen. Man kann mit einer Akkordfolge oder einer Melodie beginnen und sie kann fast jede erdenkliche Klangform annehmen, was sich sehr von der Arbeit innerhalb des üblichen Bandparadigmas unterscheidet, bei dem man immer innerhalb der Grenzen von Schlagzeug, Bass und zwei verzerrten Gitarren schreibt. Es ist sicher toll, diese Grenzen zu haben, aber es hat Spaß gemacht, diesmal etwas anderes zu machen.

    Denkst du, dass sich deine Erfahrungen mit MITOCHONDRIAL SUN umgekehrt auch auf dein Schaffen in Dark Tranquillity auswirken könnten?
    Ich glaube, dass ich ein besserer Musiker geworden bin, indem ich mich „gezwungen“ habe, beim Schreiben nicht von der Gitarre abhängig zu sein. In gewisser Weise ist es für mich jetzt leichter, Ideen und Arrangements im Kopf zu entwickeln, als nur mit einer Gitarre in der Hand, aber es ist auch sehr abstrakt und schwer vorauszusehen, inwieweit dies mein Metal-Riff-/Songwriting beeinflusst.

    Welche Künstler aus dem elektronischen Musikbereich hörst du persönlich gern?
    Viele meiner Lieblingskünstler in diesem Bereich sind diejenigen, die es schon sehr lange gibt (Depeche Mode, Mike Oldfield, Kraftwerk, Lamb etc.), und natürlich kann der Begriff „elektronische Musik“ vieles bedeuten und Künstler einschließen, die sehr unterschiedlich klingen. Ich vermute, dass Ulvers „Perdition City“ schon immer ein Favorit war (und vielleicht kann man das auf dem MITOCHONDRIAL-SUN-Album hören, obwohl die meisten Songs nicht sehr urban wirken). Was weitere zeitgenössische Künstler betrifft, so kann ich Kite, Max Cooper und Nils Frahm nennen – aber im Großen und Ganzen bin ich nicht sehr auf dem Laufenden.

    Elektronische Musik ist bekanntlich ein weites Feld. War es schwierig für dich, dir diesbezüglich einen Überblick über deine Möglichkeiten und die nötigen technischen Kenntnisse anzueignen?
    Ja und nein. Das Ziel war einfach, etwas zu machen, auf das ich stolz sein kann, und dann ist es egal, ob ein erfahrener Veteran der elektronischen Musik meint, dass es wie ein Anfängerversuch klingt oder technisch nicht „korrekt“ nach Genre-Standards ist. Wir waren ziemlich früh dran in Dark Tranquillity, als wir DAWs wie Cubase als Arbeitswerkzeuge verwendeten, also war ich bereits damit vertraut, wie man technisch vorgeht. Beim Lernprozess ging es mehr darum, herauszufinden, wie man die Musik arrangiert und die einzelnen Klänge und Instrumente optimiert, um meiner Vision so nahe wie möglich zu kommen. Und ohne die Hilfe der Session-Musiker und die großartigen Mixing-Fähigkeiten von Anders Lagerfors hätten die Dinge sicherlich weniger beeindruckend geklungen.

    Unter Metallern stoßen Synthesizer & Co nicht immer auf Gegenliebe. Hast du deshalb in Bezug auf MITOCHONDRIAL SUN auch Kritik einstecken müssen?
    Ich bin mir sicher, dass viele Leute bei einem „experimentellen Elektronik-Projekt“ eines Metal-Gitarristen die Augen verdrehen, aber das ist völlig in Ordnung. Ich denke auch, dass dies ein Album ist, bei dem man sich wirklich auf das Zuhören konzentrieren muss, damit die Songs sich „offenbaren“, sodass ich aus dieser Perspektive verstehen kann, wenn jemand es ein bisschen langweilig findet, wenn er es nur als Hintergrundmusik spielt, während er andere Dinge tut. Ich glaube jedoch, dass viele Metalheads ziemlich offen für Synthesizermusik sind (sogar Fenriz hatte damals sein Projekt Neptune Towers), solange sie – in Ermangelung eines besseren Begriffs – dunkel und atmosphärisch ist, und Dark-Tranquillity-Fans ist dies sicher nicht fremd.

    Während es freilich spannend ist, mit anderen Stilrichtungen zu experimentieren, besteht dabei auch oft die Gefahr, den Faden zu verlieren. Musstest du dich manchmal bewusst am Riemen reißen, um in den Songs nicht zu sehr abzudriften?
    Ständig! (lacht) Ein eigenes Projekt zu haben, anstatt mit anderen Leuten Musik zu schreiben, kann sowohl ein Segen als auch ein Fluch sein. Die Lieder wurden so oft neu arrangiert und verändert, dass ich mehr als einmal die Nase voll hatte, und es passierte oft, dass ich bei Version sieben oder so war, bevor ich erkannte, dass eine der früheren Versionen viel besser war. Aber das ist alles Teil des Prozesses und würde wahrscheinlich unabhängig vom Musikstil geschehen. Es ist eher ein Produkt der Tatsache, dass ich der einzige Songwriter bin, anstatt dass ich mit anderen zusammenarbeite.

    Tatsächlich unterscheiden sich die Stücke auf deinem selbstbetitelten Debütalbum sehr stark voneinander. Was ist aus deiner Sicht das Bindeglied zwischen den einzelnen Tracks?
    Ja, die Idee war, dass jedes Lied seinen eigenen Stil und seine eigene Klangfarbe haben sollte. Ich habe mir das Album wie einen Film-Soundtrack vorgestellt, bei dem es oft eine sehr große Bandbreite an verschiedenen Stimmungen gibt, aber es gibt eine gemeinsame allgemeine Atmosphäre. Ich denke, dass es wirklich gelungen ist, die Lieder durch die Produktion miteinander zu verbinden. Das Mischstudio verfügt über eine Menge altes Vintage-Equipment und merkwürdige Geräte, die alles wie eine kohärente Einheit klingen ließen, auch wenn einige der Songs auf rein musikalischer Ebene nicht viel miteinander gemein haben.

    Die Songs des Albums sind grundsätzlich instrumental. Hattest du auch daran gedacht, Gesang in den Stücken einzubauen oder war die ganze Zeit über klar, dass das nicht nötig sein würde?
    Viele meiner Lieblingsmusiker (zum Beispiel Nick Cave) sind großartige Geschichtenerzähler, die wirklich etwas Wahrhaftes in ihren Texten festhalten und an den Zuhörer weitergeben können, aber für dieses spezielle Album wollte ich die Dinge instrumental halten, um sie so offen und frei für Interpretation zu halten wie möglich. Instrumentalmusik ist in der Lage, die Phantasie des Hörers auf eine Weise zu beflügeln, die beim Schmücken der Musik mit Worten nicht möglich ist. Gleichzeitig gibt es auf dem Album ein „Thema“ – wenn auch nicht übermäßig ausgedrückt –, das sich um Zeit und Entwicklung dreht, und ich dachte, es wäre interessant, nur ein paar Zeilen Spoken-Word zu haben, die sozusagen die Essenz zusammenfassen.

    Nach den eher wundersamen Songs „The Void Begets“ und „Entropy‘s Gift“ schließt „The Great Filter“ die Platte auf ziemlich imposante, verhängnisvolle Weise ab. Warum wäre ein „Happy End“ hier in deinen Augen nicht angebracht gewesen?
    Nun… Wenn wir das Album als eine Reflexion unserer evolutionären Zeitlinie sehen – beginnend mit „Ur Tehom“ als der Geburt einfacher Organismen und den späteren Teilen des Albums, die mehr auf die Zukunft ausgerichtet sind, glaube ich nicht, dass wir als Spezies unbedingt für ein Happy End bereit sind. Ich wollte jedoch, dass das Lied zweideutig ist und den Eindruck erweckt, dass die Dinge in beide Richtungen gehen könnten, weshalb auch der letzte Teil des Liedes ein Ambient-Drone-Part ist, in dem es auch etwas „Leben“ und hoffnungsvolle Klänge gibt, die zwischen den Geräuschen funkeln. Aber das ist nur meine eigene Interpretation und auch ein Teil des Grundes, warum ich glaube, dass das Album am besten funktioniert, wenn es instrumental ist. Die Songtitel geben einen Hinweis auf die allgemeine Richtung, aber wenn ich versucht hätte, Texte zu schreiben und alles im Booklet und in den Interviews zu erklären, wäre ein großer Teil des Reizes und der „Magie“ verschwunden. Meiner Meinung nach scheitern Alben, die sich zu sehr bemühen, konzeptuell zu sein (die Ausnahme ist Sabbats „Dreamweaver“, das in jeder Hinsicht vollkommen ist).

    Auf „Mitochondrial Sun“ sind auch einige Gastmusiker zu hören. War die Arbeit an dem Album dadurch letztlich mehr Aufwand, als ursprünglich von dir geplant?
    Nein, es lief ziemlich glatt. Es gab einige Instrumente, die ich für die Lieder wollte (Cello, Vibraphon usw.), die ich aber selbst nicht spielen kann, und ich hatte das Glück, wirklich gute Session-Musiker für diese Parts zu finden. Vor 20 Jahren wäre es wahrscheinlich ein logistischer Albtraum gewesen, aber heutzutage ist es so simpel, Aufnahmen einfach über das Internet zu verschicken.

    Wie lief die Zusammenarbeit mit den Gastmusikern ab – bist du mit einer konkreten Idee auf sie zugegangen oder hast du sie einfach mal machen lassen und geschaut, was passiert?
    Ein bisschen von beidem. In einigen Fällen hatte ich eine sehr konkrete Vorstellung von dem, was ich wollte, in anderen war es offener – und ich wäre verrückt, wenn ich den Input und das Fachwissen dieser Leute nicht nutzen würde, wenn es um ihr eigenes Instrument geht.

    Zu vielen der Tracks wurden bereits animierte Musikvideos veröffentlicht. Warum hast du auch in die Visualisierung so viel Arbeit gesteckt, anstatt die Musik einfach nur für sich allein zu veröffentlichen?
    Gute Frage! (lacht) Ich arbeite eigentlich noch an einigen der Videos und habe den Zeitaufwand definitiv unterschätzt. Die Hauptidee war, dass diese Art von Musik ohne einen breiteren Kontext ein bisschen „leer“ sein kann, und da ich auch als Grafikdesigner arbeite und gerne Videos mache, war es einfach, die Punkte zu verbinden und mit der Planung zu beginnen. Hoffentlich kann das nächste richtige Video recht bald veröffentlicht werden, aber ich denke auch, dass es nicht unbedingt ein großes Problem ist, wenn es länger dauert als erwartet. Ich würde lieber einen wirklich gut gemachten Clip in drei Monaten veröffentlichen, als ihn für morgen zu überstürzen.

    Grundsätzlich bist du mit Dark Tranquillity wohl schon wieder gut beschäftigt. Denkst du, dass du trotzdem auch zukünftig noch Zeit für MITOCHONDRIAL SUN erübrigen können wirst?
    Auf jeden Fall. Das Debütalbum wurde vor über einem Jahr komplett fertiggestellt, und die meisten Songs wurden bereits 2016 und 2017 geschrieben, sodass ich Zeit hatte, mehr Musik zu machen. Ich hoffe eigentlich, dass es in diesem Jahr zwei neue MITOCHONDRIAL-SUN-Veröffentlichungen geben wird – eine, die dem Debütalbum stilistisch relativ ähnlich ist, und eine, die sehr unterschiedlich ist.

    Ich würde das Interview an dieser Stelle gerne mit unserem traditionellen Metal1.info-Brainstorming beenden. Was fällt dir zu den folgenden Begriffen ein?
    Klimakrise: Vielleicht ist es an der Zeit, den „Climate Controller“ einzubringen, den Nocturnus besungen haben…
    Dubstep: Ich weiß, dass es sich um ein Musikgenre handelt, aber das war’s auch schon.
    Biologieunterricht: Immer interessant.
    Die Zukunft der Musik: Aufregend! Es ist leicht zu sagen, dass die Dinge in der Vergangenheit besser waren, aber ich sehe viel Potenzial darin, wie die Dinge jetzt sind.
    Filmmusik: Würde gerne an einem arbeiten. Aber es ist sehr schwer, in dieses Feld einzusteigen…
    Der Weltraum: Sicherlich eine Erkundung wert. Auch der innere Raum.

    Nochmals vielen Dank für deine Antworten. Gibt es noch etwas, das du den Lesern zum Schluss gerne mitteilen möchtest?
    Vielen Dank für das Interview! Ich habe nichts hinzuzufügen, aber ich würde eure Leser natürlich einladen, sich das Album anzuhören, wenn sie denken, dass es etwas für sie sein könnte.

Dieses Interview wurde per E-Mail geführt.
Zur besseren Lesbarkeit wurden Smilies ersetzt.

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