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Poem

  • Englische Version

    Going on tour without a well-known headliner act is often a risk – especially when you are playing a not very popular genre like progressive metal. Nevertheless, POEM from Greece wanted to venture this step. Together with Damnations Day and White Walls they went on a tour through Europe to present their new, excellent album „Unique“. We had a little talk with the four musicians at their concert in Munich.

    How has the tour been so far?
    Stavros: It’s very nice. The good thing is that the other bands are amazing guys. Damnations Day and White Walls are very nice. We feel like a family inside the tour bus and everything has been going very well till now. We had a few things that had to be sorted out very quickly, but everything goes very well. The vibe is very good.
    George: It is our first European tour as headliners with Damnations Day, but until now I think everything is going well.
    Takis: And people seem to like it very much…
    Stavros: …if they come. (all laugh)

    You just mentioned it’s your first headliner tour…
    George: We had two European tours before. The first one was with Amorphis, Textures and Omnium Gatherum and the second one was last year with Persefone. Two amazing tours for us. They gave us the chance to gain experience and we want to have our name bigger in Europe, because in Greece it is little bit difficult to get a band out of the borders. Amorphis and Persefone gave us this opportunity. We had a great time.

    How does it feel compared to your tours as support of a big main act, where you mainly are confronted with concert goers who came for the headliner?
    George: It’s totally different.
    Laurence: Right now the people are coming for us, the three bands. Of course it’s not the same number of people that showed up on the Amorphis-Tour. But it’s very nice because you know that those people are here for you. You’re not a Warm-Up anymore. It’s like an experiment, we wanted to do this. We think it’s important to tour every year at least once. So this time we tried to do this on our own and head out there with Damnations Day and White Walls and see what’s gonna happen.

    You have a new album out called “Unique”. Does the new album follow the lyrical and musical concept of your previous two releases?
    George: We have one guy, Stavros here, who writes the lyrics.
    Stavros: For every album, except the first one, we tried to have a general concept, not a specific one. We did this with “Skein Syndrome” and we tried to do this with “Unique”. It describes reality metaphorically through a madman. All the songs talk about this madman and his feelings, what he sees. We tried to go inside his mind and see things from his point of view. So metaphorically it’s something everyone passes in their lifetime. That’s why we called it “Unique”. Because everybody tries to be unique. But nobody’s unique. We all wear the same clothes, we all have similar jobs, we all like the same type of entertainment. But nobody’s unique. Unique is something that’s inside, not outside. And that’s what we tried to talk about on this album.
    George: I think this album combines many styles of uniqueness. Imagine the racism. We see a black guy and we say that’s a black guy. No! He’s unique. Except for all of us, we’re white guys and he’s a black guy, but he’s unique. Or we can see bullying in schools. Maybe this bullied kid is unique. The unique is not only the madman. It’s a metaphor for everything.
    Stavros: Our madman can be everyone. Someone who’s crazy, someone who’s alone, someone who’s sad, someone who is black, like George said.
    George: Yeah. He’s unique. They’re great and we are great. We can all be unique in a point.

    Between your debut and you second album seven years have passed. Between “Skein Syndrome” and “Unique” only two years passed. What was the reason for those very different time spans?
    George: Yeah, the difficult part (laughs). In 2009 we made the first album “The Great Secret Show”, but we had many changes with the members. They had their own reasons. They left for economical reasons or they had their families. But we wanted to continue the band. So we made “Skein Syndrom” after seven years. There were not really other bad situations, the only bad situation was the changing of the members. That was the worst part and that’s why we took so long to make the second album. So now I think this is the…
    Takis: …the best line-up.
    Stavros: It’s the first thing he says in this interview. (imitates Takis‘ voice) „The best line-up“. (all laugh)
    George: He recently joined the band. So now this is the best line-up, yes.

    The album cover shows a person sitting in a desperate position on a chair in a room with one wall open and the ocean coming in. Why did you choose this motive and what does this picture mean to you personally?
    Laurence: It’s about the album. This guy is the metaphor we were speaking of. He represents this idea of “Unique”. He feels unique. He’s inside a room, but it’s open in front of him and you can see that the sea is the chaos. It’s everything that gets upon you. The waves are crushing upon you. You can’t react. You don’t know what to do you just have to sit there. And then you have those walls. There’s a lot going on in this album cover.
    George: We tried to translate the schizophrenia. There are three symptoms. One is the voices you hear all the time. The second is what you see and the third is your thoughts. There are lyrics on the walls, they are the thoughts of him and the hallucination he has are in front of him. Because he’s in his room, but he can see an ocean coming to him.

    Are the words on the walls actually the lyrics of the songs?
    Stavros: No, just some parts of them.
    George: It’s his thoughts. Confused words. Maybe it says something like “kill him” or “unique”.

    The production has a lot more punch, but is overall more dry and less warm than “Skein Syndrome”, especially the drums. Why did you decide to turn down the reverb and go for a more direct sound?
    Stavros: I think it led us there. In my opinion the songs are more powerful. “Skein Syndrome” was a bit darker. But this one needed more punch.
    Takis: There are more groovy riffs.

    Is there anything on that album you are not 100 % satisfied with or on what you now think “damn, I would have done it differently in retrospect!”?
    Takis: Actually we didn’t have much time to get the 100% that we wanted. So in the time that we had I think we did the best we could do. But of course, if we had more time we would have changed some things. But not much. Just some little details.
    Laurence: Not so much change, but add things. I think that happens everytime. It was the same with “Skein Syndrome”.
    Stavros: After every album an artist creates, he listens to it and he says “Aaah, I could have done this better.”. But it’s experience and it’s something that happens all the time.

    It is your second release via ViciSolum Productions. Are you still satisfied with the label’s work and would you consider releasing your next album there, too?
    George: Of course, ViciSolum did a great job for us. The thing is that as a band you are always looking for the best. Right now ViciSolum is the best for us. But we never know. In the next two or three years, maybe…
    Stavros: …maybe we evolve. It has to do with our progression.
    George: Yeah. We cannot answer that this is the best we can ever have. But until now it works for us.
    Stavros: They work very hard for us. Very nice guys.
    George: They did a very good job for us. This is the reason why we are here now. ViciSolum were the first label that took us out of Greece. We totally appreciate what they’ve done for us.

    What are your future plans? Do you already have a concept or ideas for the next album?
    Laurence: When we get back from the tour we will start working on new things already, so we don’t fall into the same trap as we did with “Unique” where everything had to be done really fast. So we’re going to do that. But right now we have all agreed to promote and play this album as much as we can, because it’s new. It’s our new child. We have to do that for at least two years. It’s what we’re focussing on right now. And we have a lot of stuff in mind to do when prepare the live shows. We’re still experimenting. The shows on this tour are the first where we’re playing this album. It’s gonna be nice, visually and musically.

    I’d like to end the interview with our metal1.info brainstorming. I’ll say some keywords and you just tell me the first thing that comes to your mind.
    Athens: Stavros: Home. For me it’s always going to be home.
    George: Yes, definitely.
    Takis: Chaos. (laughs)
    Laurence: Lively. Full of life. Multicultural as well.
    George: Okay: Sex! Pussies! Nightlife! Smells like teen spirit! No money! Please borrow us money! (all laugh)
    Euthanasia: Stavros: Salvation.
    George: For me it’s salvation, too.
    Takis: Fifth song. (all laugh)
    George: If you say euthanasia, my mind goes to animals and it’s very sad. But it’s salvation for them, too. If they are sick.
    Refugee crisis: George: Very sensitive topic.
    Stavros: It’s difficult for both sides. For us and for the refugees. It’s a government problem. Government assholes.
    Laurence: In one word: money. That’s what it’s all about. And weapons.
    Stavros: Political games that want to make us fight each other.
    George: They try to make life useless. They don’t care. Fuck them! But not the refugees! I mean the government! (all laugh)
    Favorite album: Takis: In every period of my life, like every five years that changes. I would say “Far Beyond Driven” by Pantera was the most influential thing I’ve heard when I was young. And Death – Symbolic. These two albums.
    Stavros: Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon, Metallica…And Justice For All and Led Zeppelin – III
    George: „Ænima“ by Tool and maybe Pearl Jam – Ten when I was young. And Jeff Buckley – Grace.
    Laurence: I would also say „The Dark Side Of The Moon“, but I’ll say „Animals“, so we have two different albums by Pink Floyd.
    Psychology: Stavros: “Unique”, the album.
    Takis: Up and down.
    George: Broken stuff.
    Laurence: Anxiousness. Modern day sickness.

  • Deutsche Version

    Sich ohne bekannten Headliner auf eine internationale Tour zu begeben, ist oft ein riskantes Unterfangen – vor allem, wenn man in einem nicht gerade populären Genre wie Progressive Metal unterwegs ist. Dennoch wollten POEM aus Griechenland diesen Schritt wagen. Zusammen mit Damnations Day und White Walls haben sie sich auf eine Europatour gemacht, um ihr neues, hervorragendes Album „Unique“ live vorzustellen. Wir haben die vier Musiker zum Gespräch bei ihrem Konzert in München getroffen.

    Wie war eure Tour bisher?
    Stavros: Sehr schön. Das Gute ist, dass die anderen Bands tolle Leute sind. Damnations Day und White Walls sind sehr nett. Wir fühlen uns wie eine Familie im Tourbus und bisher ist alles gut gelaufen. Es gab ein paar Sachen, die schnell geklärt werden mussten, aber alles läuft sehr gut. Die Stimmung ist sehr gut.
    George: Es ist unsere erste Europatour als Headliner zusammen mit Damnations Day, aber bisher hat alles gut geklappt.
    Takis: Und den Leuten scheint es sehr zu gefallen…
    Stavros: …sofern sie kommen. (alle lachen)

    Ihr habt es gerade erwähnt: Es ist eure erste Headliner-Tour…
    George: Wir waren davor schon auf zwei Europatouren. Die erste war mit Amorphis, Textures und Omnium Gatherum und die zweite letztes Jahr mit Persefone. Zwei fantastische Touren für uns. Sie haben uns die Chance gegeben Erfahrung zu sammeln und wir wollen unseren Namen in Europa größer machen, weil es in Griechenland ein wenig schwierig ist eine Band außerhalb der Landesgrenzen zu bringen. Amorphis und Persefone haben uns diese Möglichkeit gegeben. Wir hatten eine tolle Zeit.

    Wie fühlt es sich im Vergleich zu euren Touren als Supportband eines Hauptacts an, wo ihr hauptsächlich vor Konzertgängern spielt, die eigentlich für den Headliner gekommen sind?
    George: Es ist komplett anders.
    Laurence: Jetzt gerade kommen die Leute für uns, die drei Bands. Natürlich ist es nicht die gleiche Anzahl an Besuchern wie auf der Amorphis-Tour. Aber es ist sehr schön, weil man weiß, dass diese Leute wegen dir da sind. Du bist kein Aufwärmprogramm mehr. Es ist eine Art Experiment, wir wollten das machen. Wir glauben es ist wichtig mindestens einmal pro Jahr auf Tour zu gehen. Also haben wir es dieses Mal selber versucht und uns mit Damnations Day und White Walls auf den Weg gemacht um zu schauen, was passieren wird.

    Ihr habt ein neues Album namens „Unique“ veröffentlicht. Ist das Album textlich und musikalisch eine Weiterführung eurer Vorgängeralben?
    George: Wir haben eine Person, Stavros hier, der die Texte verfasst.
    Stavros: Bei jedem Album, abgesehen vom ersten, haben wir versucht ein allgemeines Konzept zu finden, kein spezifisches. Wir haben das bei „Skein Syndrome“ so gemacht und wir haben das bei „Unique“ versucht. Es beschreibt die Realität metaphorisch durch eine geisteskranke Person. Alle Songs erzählen über diesen Geisteskranken und seine Gefühle, was er sieht. Wir haben versucht in seinen Geist einzudringen und die Dinge aus seiner Perspektive zu sehen. Metaphorisch gesehen ist es also etwas, dem jeder Mensch in seinem Leben mal begegnet. Deswegen haben wir es „Unique“ genannt. Weil jeder versucht einzigartig zu sein. Aber niemand ist einzigartig. Wir tragen alle die selben Klamotten, haben ähnliche Jobs, wir mögen alle die gleiche Art der Unterhaltung. Aber niemand ist einzigartig. Einzigartig ist das, was in den Menschen drin ist, nicht außerhalb von ihnen. Darüber haben wir versucht auf dem Album zu sprechen
    George: Ich denke das Album vereint viele Arten von Einzigartigkeit. Nim zum Beispiel Rassismus. Wir sehen einen Schwarzen und sagen er ist ein Schwarzer. Nein! Er ist einzigartig. Abgesehen von uns allen, wir sind weiß und er schwarz, aber er ist einzigartig. Oder wir betrachten Mobbing in den Schulen. Vielleicht ist dieses gemobbte Kind einzigartig. Das Einzigartige ist nicht nur der Geisteskranke. Es ist eine Metapher für alles.
    Stavros: Unser Geisteskranke kann jeder sein. Jemand der verrückt ist, jemand der allein ist, jemand der traurig ist, jemand der schwarz ist, wie George gesagt hat.
    George: Ja. Er ist einzigartig. Sie sind toll und wir sind toll. Wir können alle in einem Punkt einzigartig sein.

    Zwischen eurem Debüt und eurem zweiten Album sind sieben Jahre vergangen. Zwischen “Skein Syndrome” und “Unique” sind nur zwei Jahre vergangen. Was war der Grund für diese sehr unterschiedlichen Zeitspannen?
    George: Ja, der schwierige Teil (lacht). 2009 haben wir unser erstes Album „The Great Secret Show“ aufgenommen, aber wir hatten viele Besetzungswechsel. Die Mitglieder hatten ihre eigenen Gründe. Sie sind aus Kostengründen gegangen oder hatten ihre Familien. Aber wir wollten mit der Band weitermachen. Also haben wir nach sieben Jahren „Skein Syndrome“ aufgenommen. Es gab nicht wirklich andere blöde Situationen, die mit den Besetzungswechseln war die einzige. Das war der schlimmste Teil und der Grund, warum wir so lange für das zweite Album gebraucht haben. Deshalb glaube ich, das jetzt ist die…
    Takis: …die beste Besetzung.
    Stavros: Es ist das erste, was er in diesem Interview sagt. (immitiert Takis‘ Stimme) „Die beste Besetzung“. (alle lachen)
    George: Er ist kürzlich der Band beigetreten. Deshalb ist es jetzt die beste Besetzung, ja.

    Das Album-Cover zeigt eine Person, die in einer verzweifelten Haltung auf einem Stuhl in einem Raum sitzt, der eine offenene Wand hat und in den das Meer hineinströmt. Warum habt ihr dieses Motiv ausgewählt und was bedeutet das Bild für euch persönlich?
    Laurence: Es geht um das Album. Diese Person ist die Metapher, von der wir gesprochen haben. Er verkörpert diese Idee von „Unique“. Er fühlt sich einzigartig. Er ist in einem Raum, aber vor ihm ist dieser offen und man kann sehen, dass das Meer das Chaos ist. Es ist alles, was auf dich zukommt. Die Wellen stürzen auf dich ein. Du kannst nicht reagieren. Du weißt nicht, was du tun sollst und musst einfach dasitzen. Und dann sind da noch diese Wände. Es passiert sehr viel auf diesem Album-Cover.
    George: Wir haben versucht die Schizophrenie zu übersetzen. Es gibt drei Symptome. Eines sind die Stimmen, die man die ganze Zeit hört. Das zweite ist, was du siehst und das dritte sind deine Gedanken. Da sind Texte an der Wand, das sind seine Gedanken und seine Halluzinationen sind vor ihm. Weil er in seinem Zimmer ist, aber er kann das Meer auf sich zukommen sehen.

    Sind die Wörter an den Wänden tatsächlich die Songtexte?
    Stavros: Nein, nur Teile von ihnen.
    George: Es sind seine Gedanken. Wirre Wörter. Vielleicht sagen sie so etwas wie „töte ihn“ oder „einzigartig“.

    Die Produktion hat wesentlich mehr Druck, aber ist insgesamt trockener und weniger warm als bei „Skein Syndrome“, besonders das Schlagzeug. Warum habt ihr euch dafür entschieden den Hall rauszunehmen und einen direkteren Sound anzustreben?
    Stavros: Ich denke es hat uns einfach dort hingeführt. Meiner Meinung nach sind die Songs kraftvoller. „Skein Syndrome“ war ein bisschen düsterer. Aber dieses hier hat mehr Kraft gebraucht.
    Takis: Es gibt mehr groovige Riffs.

    Gibt es irgendetwas auf dem Album, mit dem ihr nicht 100 % zufrieden seid oder bei dem ihr denkt „verdammt, jetzt im Nachhinein hätte ich das anders gemacht!“?
    Takis: Tatsächlich hatten wir nicht genug Zeit, um die 100% zu erreichen, die wir wollten. Aber in der Zeit, die wir hatten, haben wir, denke ich, das beste herausgeholt, was wir konnten. Aber klar, wenn wir mehr Zeit gehabt hätten, hätten wir ein paar Sachen geändert. Aber nicht viel. Nur ein paar kleine Details.
    Laurence: Weniger Dinge geändert, sondern eher welche hinzugefügt. Ich glaube das passiert jedes Mal. Bei „Skein Syndrome“ war es das gleiche.
    Stavros: Nach jedem Album, das ein Künstler erschafft, hört er es sich an und sagt „Aaah, ich hätte das besser machen können.“. Aber es ist Erfahrung und es ist etwas das die ganze Zeit passiert.

    Es ist eure zweite Veröffentlichung über ViciSolum Productions. Seid ihr immer noch zufrieden mit der Arbeit des Labels und würdet ihr es in Erwägung ziehen, auch euer nächstes Album dort zu veröffentlichen?
    George: Natürlich, ViciSolum haben großartige Arbeit für uns geleistet. Die Sache ist die, dass du als Band immer nach dem Besten suchst. Jetzt gerade sind ViciSolum das Beste für uns. Aber wir wissen nie. In den nächsten zwei oder drei Jahren…
    Stavros: …entwickeln wir uns vielleicht weiter. Es hat mit unserem Fortschritt zu tun.
    George: Ja. Wir können nicht sagen, dass das das beste ist, das wir jemals haben werden. Aber bis jetzt funktioniert es für uns.
    Stavros: Sie arbeiten sehr hart für uns. Sehr nette Leute.
    George: Sie haben sehr gute Arbeit für uns geleistet. Das ist auch der Grund, warum wir jetzt hier sind. ViciSolum waren das erste Label, das uns aus Griechenland rausgebracht hat. Wir wissen es sehr zu schätzen, was sie für uns geleistet haben.

    Was sind eure Zukunftspläne? Habt ihr schon ein Konzept oder Ideen fürs nächste Album?
    Laurence: Wenn wir von der Tour zurückkommen, werden wir bereits an neuen Sachen arbeiten, damit wir nicht in die gleiche Falle tappen wie bei „Unique“, wo alles sehr schnell gehen musste. Das werden wir also tun. Aber jetzt im Moment haben wir uns alle darauf geeinigt, dass wir das Album so viel bewerben und live spielen, wie wir können, weil es neu ist. Es ist unser neues Kind. Wir müssen das für mindestens zwei Jahre machen. Das ist, worauf wir uns momentan fokussieren. Und wir haben sehr viele Ideen für die Vorbereitung der Live-Shows. Wir experimentieren noch. Die Shows auf dieser Tour sind die ersten, bei denen wir dieses Album live spielen. Es wird schön werden, optisch und musikalisch.

    Ich würde das Interview gerne mit unserem klassischen Metal1.info-Brainstorming beenden. Ich werde ein paar Begriffe nennen und ihr sagt mir einfach das erste, was euch dazu einfällt.
    Athen: Stavros: Zuhause. Für mich wird es immer mein Zuhause sein.
    George: Ja, definitiv.
    Takis: Chaos. (lacht)
    Laurence: Belebt. Voller Leben. Auch multikulturell.
    George: Okay: Sex! Muschis! Nachtleben! Smells like teen spirit! Kein Geld! Bitte leiht uns Geld! (alle lachen)
    Euthanasia: Stavros: Erlösung.
    George: Für mich ist es auch Erlösung.
    Takis: Fünfter Song [Anm. d. Red.: „Euthanasia“ ist der Titel des fünften Songs auf „Unique“]. (alle lachen)
    George: Wenn du Euthanasie sagst, denke ich an Tiere und das ist sehr traurig. Aber für sie ist es auch Erlösung. Wenn sie krank sind.
    Flüchtlingskrise: George: Sehr schwieriges Thema.
    Stavros: Es ist schwierig für beide Seiten. Für uns und für die Flüchtlinge. Es ist ein Regierungsproblem. Regierungsarschlöcher.
    Laurence: In einem Wort: Geld. Darum geht es bei all dem. Und um Waffen.
    Stavros: Politische Spiele die uns gegeneinander aufbringen sollen.
    George: Sie versuchen das Leben wertlos zu machen. Es interessiert sie nicht. Scheiß auf die! Aber nicht auf die Flüchtlinge! Ich meine auf die Regierung! (alle lachen)
    Lieblingsalbum: Takis: In jedem Lebensabschnitt, etwa alle fünf Jahre, ändert sich das bei mir. Ich würde sagen „Far Beyond Driven“ von Pantera war das einflussreichste, das ich gehört habe, als ich noch jung war. Und Death – Symbolic. Diese zwei Alben.
    Stavros: Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon, Metallica…And Justice For All und Led Zeppelin – III
    George: „Ænima“ von Tool und vielleicht Pearl Jam – Ten als ich jung war. Und Jeff Buckley – Grace.
    Laurence: Ich würde auch „The Dark Side Of The Moon“ sagen, aber ich sage „Animals“, damit wir zwei unterschiedliche Alben von Pink Floyd haben.
    Psychologie: Stavros: “Unique”, das Album.
    Takis: Auf und ab.
    George: Kaputte Dinge.
    Laurence: Ängstlichkeit. Die Krankheit von heute.

Tesseract – Sonder

Sie gelten als prägende Kraft hinter dem djentigen Prog Metal und werden in einem Atemzug mit Periphery sowie Animals As Leaders genannt: TESSERACT. Ähnlich wie ihre genannten Genrekollegen gelang es den Briten mit den vergangenen drei Studioalben einen Sound zu erschaffen, der nur TESSERACT innewohnen kann; Tompkins‘ weicher, klarer Gesang gehört zu diesem ebenso wie Monteiths und Kahneys tiefe Siebensaiter als auch die elektronischen Soundcollagen, die TESSERACT als prominent platziertes Stilmittel von jeher nutzen.

Dass sich auf ihrem vierten Album „Sonder“ in diesen Punkten nichts ändern wird, ist klar und sicherlich auch der Wunsch der Fans; allerdings klingen die Engländer auf den acht neuen Tracks dennoch anders. Dabei haben sich nicht die Trademarks geändert, für die TESSERACT stehen, und auch der Songaufbau wurde keiner Verjüngungskur unterzogen – warum auch, schließlich brachte diese Rezeptur TESSERACT genau an den Platz, an dem sich das Quintett heute befindet.

Auf „Sonder“ begehen die Engländer allerdings den fatalen Fehler, sich dieser Rezeptur nur allzu bewusst geworden zu sein. Achtmal brauen sie nach dieser altbewährten und Erfolg versprechenden Mixtur Songs zusammen, die eher selten mit einem gewissen Mut überzeugen können und stattdessen schnell an Überzeugungskraft verlieren. Ironischerweise ist es ausgerechnet der vorletzte Song „Smile“, der sich von dem vorherigen, schablonenartigen Musizieren abhebt. Und warum? Vielleicht, weil der Track bereits vor einem Jahr erschien.

Mit der gezügelten Kreativität geht allerdings noch ein weitaus größeres Manko einher, was zuvor bereits als fehlender Mut hervorgehoben wurde: TESSERACT klingen schlichtweg kantenlos, hämisch gesagt durchweg weichgespült. Es mangelt „Sonder“ an wirklich starken Riffs, die den Hörer ins Staunen versetzen, und gleichermaßen gelingt es Tompkins auf Albumlänge zu wenig, mehr als nur schön und akkurat, nämlich ergreifend, mitreißend und Gänsehaut erschaffend zu singen. Schmerzlich erinnert man sich daran, wie gut es The Contortionist auf „Clairvoyant“ gelang, beide Faktoren zu verknüpfen.

Und apropos Albumlänge, dem dritten Fauxpas, den sich TESSERACT geleistet haben: Mit einer Spieldauer von nur 36 Minuten ist „Sonder“ schlichtweg zu kurz. Natürlich ist „Automata“ (Between The Buried And Me) nicht länger, aber wenigstens der erste Teil eines Konzeptalbums, welches noch in diesem Sommer seine Vollendung finden wird; „Sonder“ ist hingegen schlichtweg zu kurz. Sowohl in der tatsächlichen Länge als auch mit Hinblick auf den Verbleib im Hörgang.

Sehr schade, dass „Sonder“ das Ergebnis nach drei Jahren Wartezeit und der gebürtige Nachfolger von dem überzeugenden „Polaris“ darstellen soll. Im direkten Vergleich mit dem starken Vorgänger ist „Sonder“ umso enttäuschender. Ein auf sichere-Bank-komponiertes Album, welches zwar mit den typischen Djent-Attacken aufwarten kann, diese allerdings so unspannend gestaltet, dass auch der Versuch mit den Loops, Atmosphäre zu kreieren, nichts mehr retten kann.

TESSERACT haben ihren Biss im Studio verloren, denn auf „Sonder“ ist er definitiv nicht unter gekommen. An die Größe eines „Polaris“ kommt „Sonder“ nicht am entferntesten heran, sondern verleitet den Hörer viel mehr dazu, sich in die Arme genau dieser Platte zu flüchten anstatt „Sonder“ weitere Runden im Player zu schenken.

Tesseract – Polaris

Nach dem Intermezzo mit einem neuen Sänger, unter dem TESSERACT „Altered State“ einspielten, kam es im Jahre 2014 zum erneuten Austausch am Mikrofon und somit zu der Besetzung, unter der die Briten ihr Debüt „One“ eingespielt haben. Zurück mit Tompkins an Bord präsentieren TESSERACT somit nun ihr drittes Album „Polaris“.

Darauf kuscheln sich die fünf Engländer in genau dieses wohlig-warme Nest, welches sie sich mit den ersten beiden Alben erschaffen haben; wie wohl sich alle Beteiligten auf „Polaris“ fühlen, ist mit jeder der 47 Minuten heraus zuhören. In den neun Songs toben sich TESSERACT trotz des theoretisch engen Spielraums, den ein Subgenre wie Djent bietet, auf weiter Flur aus: Ruhigere Nummern wie das sich aufbauende „Tourniquet“ stehen den Briten dabei ebenfalls so gut zu Gesicht wie die typischen Djent-Stamper a la „Messenger“. Und beinah im Vorbeigehen gelingt es TESSERACT außerdem noch, mit „Dystopia“ und „Survival“ zwei Hits zu erschaffen, welche den unique selling point dieser Band nicht besser verdeutlichen könnten: Klarer, eingängiger Gesang gepaart mit messerscharfen Palm Muting.

Auf „Polaris“ gelingt es den Briten, eine Dreiviertelstunde voller Ausblicke zu geben, wie moderner Prog Metal und Djent klingen können: Sei es sich so sehr steigernd, dass man als Hörer die Spannung zum Klimax förmlich knistern hört („Hexes“), oder so erbauend, dass schlechte Laune im Moment des Hörens vergessen wird („Phoenix“). TESSERACT geben mit diesem Album einem Genre so viele Gesichter, wie es Fredrik Thordendal (Meshuggah) wohl einst niemals erwartet hätte.

Apropos Meshuggah: „Polaris“ ist weit von einem „Koloss“ entfernt, sodass TESSERACT mitnichten automatisch der Hörerschaft gefallen wird, die Meshuggahs Schwere schätzt. Ebenso sind die Briten deutlich weniger verkopft als ihre Kollegen von Animals As Leaders und erst recht nicht so quirlig wie Sikth. Zum einen zeigt dies den Stellenwert, den sich TESSERACT innerhalb der Szene bisher erarbeitet haben und zum anderen die Vielfältigkeit eines Subgenres, welches mit „Polaris“ ein mehr als würdiges Aushängeschild gefunden hat.

Neuzugang bei Redemption

Keyboarder Vikram Shankar hat sich der Prog-Metal-Band REDEMPTION angeschlossen.

Gitarrist und Songwriter Nick van Dyk, der auch das Gros der Keyboard-Parts auf den sieben Alben der Gruppe spielte, sagt dazu: „Wir hatten seit ‚This Mortal Coil‘ von 2011 keinen festen Keyboarder. Glücklicherweise durften wir vorübergehend Greg Hosharians Dienste in Anspruch nehmen, doch er verließ uns, um sich aufs Komponieren und Dirigieren klassischer Musik zu konzentrieren, woraufhin wir uns einigten, ohne Ersatz weiterzumachen, indem ich das Keyboard neben der Gitarre übernahm. Das funktioniert zwar einigermaßen gut, aber sowohl in Hinblick auf unsere Konzerte als auch bezüglich des Songwritings schwebte mir immer ein fester Keyboarder vor, der uns mehr Möglichkeiten bieten klanglich weiterbringen und unserer Entwicklung zuträglich sein würde.

 

Kino – Radio Voltaire

Wow, ist das wirklich schon so lange her? Vor 13 Jahren erschien KINOs Debüt „Picture“. Das realisierten wohl auch Bandchef John Mitchell und seine Plattenfirma InsideOut: Statt – wie geplant – sein drittes Lonely-Robot-Album aufzunehmen, begann Mitchell im Sommer 2017 die Arbeiten an „Radio Voltaire“. Eine gute Entscheidung, wie sich schon nach dem ersten Hördurchgang herausstellt!

KINOs Zweitling macht vom ersten bis zum letzten Song Spaß: Starke Melodien, moderne Arrangements und die wunderbar warme, aber dennoch dynamische Produktion lassen die gut 55 Minuten Spielzeit wie im Fluge vergehen. Der Abwechslungsreichtum ist groß und alles wirkt spontan und unverkrampft. Die kurze, aber intensive Zusammenarbeit von John Mitchell und Bassist Pete Trewavas (Marillion, Transatlantic), der selbst drei Songs beigesteuert hat, ist spür- und hörbar. Sie ist der größte Unterschied zu Mitchells halbgaren Lonely-Robot-Platten. Auch wenn er größtenteils dem Midtempo sowie seinem altbekannten Mix aus Pop, Melodic Rock und Neoprog treu bleibt, klingt hier alles lebendiger und mitreißender.

Selbst eine vor Kitsch nur so triefende Piano-Ballade wie „Idlewild“ wird so unweigerlich zu einem Mitsing-Garant. Und davon gibt es auf „Radio Voltaire“ einige: Etwa den Opener und Titeltrack, das knackige „I Won‘t Break So Easily Any More“, „Out Of Time“ (mit schönem Bass-Solo) oder „Grey Shapes On Concrete Fields“ – hier wird jeder Fan melodischer Rockmusik garantiert einen neuen Ohrwurm finden. „I Don‘t Know Why“ und „Keep The Faith“ wecken Erinnerungen an die Beatles und bringen damit noch eine weitere schöne Klangfarbe ein. Gegen Ende wird die Platte etwas melancholischer, aber nicht weniger gut.

Wie schon auf den letzten Mitchell-Alben sitzt auch dieses Mal wieder Craig Blundell (Steven Wilson, Frost*) hinter dem Drumkit. Er allein ist mit seinem variantenreichen und feinsinnigen Spiel schon Grund genug, „Radio Voltaire“ in den Einkaufswagen zu legen.

Freunde melodischer, leicht angeproggter Rockmusik dürfen frohlocken: KINO ist eine echt schöne Scheibe gelungen, die das Niveau des Vorgängers mühelos hält. Ohne Zweifel Mitchells beste Arbeit seit „The Tall Ships“ von It Bites – und das war vor zehn Jahren.

Shadowkeep – Shadowkeep

Satte zehn Jahre sind ins Land gegangen, seit die britischen Prog-Metaller von SHADOWKEEP ihr letztes Album „The Hourglass Effect“ veröffentlicht haben, zehn Jahre, die hauptsächlich von den Bemühungen geprägt waren, wieder ein stabiles Line-Up auf die Beine zu stellen. Außer einigen wenigen Live-Auftritten war es um die Band ziemlich still geworden. Und als letztes Jahr bekannt gegeben wurde, dass James Rivera den vakanten Posten am Mikrophon besetzen sollte, war ich zunächst skeptisch: Ob Riveras raues Organ zum doch sehr Power-Metal-lastigen Sound der Truppe passen würde?

Und tatsächlich fällt früh auf, dass sich der Sound der Briten gewandelt hat und die Power-Metal-Anteile gerade im Vergleich zum letzten Album deutlich zurückgeschraubt wurden. Stattdessen klingt die neue, schlicht „Shadowkeep“ betitelte CD roher, ungeschliffener, kommt völlig ohne bombastische Momente aus und setzt stattdessen – hinsichtlich des neuen Sängers wenig verwunderlich – auf Klangelemente des US-Metals. SHADOWKEEP klingen also anno 2018 eine ganze Spur härter als auf ihren früheren Alben, allerdings ohne ihre verspielten Gitarrenläufe oder die vertrackteren Rhythmen aufzugeben. Geradezu glänzend funktioniert diese Melange beim Opener „Guardians Of The Sea“, der gekonnt geradlinige und verschleppte Rhythmen kombiniert und eine äußerst eingängige Strophenmelodie besitzt. Vor allem aber fällt auf: James Rivera singt wahnsinnig gut. Sein markanter und zu hohen Schreien tendierender Gesangsstil fügt sich bestens in das neue Klanggerüst der Band ein. Das folgende „Flight Across The Sand“ führt das Gemisch aus tonnenschweren Beats und fragilen, doppelläufigen Gitarrenspuren weiter und zieht streckenweise das Tempo ordentlich an – was SHADOWKEEP in diesen knapp acht Minuten an Ideen entwickeln, gehört mit zum Besten, was man in diesem jungen Jahr in Sachen Prog Metal hören durfte.

Während die Band bei „Horse Of War“ vor allem im Refrain einen ordentlichen Old-School-Einschlag hat und das Riffing die Komplexität zugunsten größerer Griffigkeit etwas reduziert, setzt man bei „Little Lion“ sowie „Never Forgotten“ auf cleane Gitarren, was dem Album größere Abwechslung und dichtere Atmosphäre beschert. Gegen Ende zieht man mit dem fast zehnminütigen „Minotaur“ noch einmal alle Register, schafft es aber leider nicht, die gesamte Spielzeit des Songs interessant und spannungsreich zu gestalten. Und das (zugegebenermaßen kurze) Instrumental „The Sword Of Damocles“ hätte es tatsächlich nicht gebraucht, die übrigen Stücke bieten gerade den Gitarristen ausreichend Raum, ihr variantenreiches Spiel zu entwickeln. Am Gesamteindruck ändert dies allerdings nur wenig; mit „Shadowkeep“ ist den Briten und Neuzugang James Rivera ein eindrucksvolles Album geglückt, dem man viele Hörer wünscht. Hoffentlich muss man auf das nächste Album nicht wieder eine ganze Dekade warten …

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Between The Buried And Me – Automata I

Es ist schier unglaublich, dass es BETWEEN THE BURIED AND ME stets von Neuem schaffen, in regelmäßigen Abständen eine neue plättende Platte auf den Markt zu bringen. Drei Jahre nach ihrem letzten Streich „Coma Ecliptic“ liefern die Amerikaner mit „Automata I“ die erste Hälfte eines Konzeptalbums, welches sich damit beschäftigt, dass die Träume eines Menschen für Unterhaltungszwecke genutzt werden, wobei eben jener Mensch diese Träume für seine Realität hält – was nach einer Folge des Netflix‘ Erfolgs Black Mirror klingt, ist die Vertonung einer Zukunft, wie sie sich BETWEEN THE BURIED AND ME vorstellen.

Eingeleitet mit einem wunderschönen und dennoch schwermütigen, zu Beginn sanften Intro mausert sich der Opener „Condemned To The Gallows“ schnell zu dem, wofür die achte Platte von BETWEEN THE BURIED AND ME grundsätzlich steht: für eine hinreißende Verschmelzung von fragiler Melodik mit verkopfter Instrumentierung. Besonders cool groovt allerdings Dan Briggs, dessen Basslinien in diesem Track nicht nur die Musik begleiten, sondern sie merklich führen; ähnlich einem Kulturschock bei Reisen benötigt der Verstand allerdings seine Zeit, um nach der Überforderung mit den ersten Minuten von „Automata I“ genau diese Basslinien bewusst hören zu können.

Die mitreißende Steigerung zum Ende des zweiten Tracks „House Organ“ verdeutlich erneut, mit welch geschickten Händchen die Amerikaner ihr Gespür für einnehmende Gesangslinien ausbauen können; bietet der Track bereits in den vorangestellten drei Minuten genügend Material zum Staunen, ist es doch das phänomenale Ende, welches den Hut vor BETWEEN THE BURIED AND ME ziehen lässt.

Und die progressiven Festspiele gehen weiter, wenn sie im Überhit „Millions“ nicht sogar ihren Höhepunkt finden: Mag dieser Track genau wie die anderen fünf Songs (exklusive des kurzen Interludes) erst nach einigen Durchläufen wirken, so tut er dies im Anschluss für lange Zeit. Ausgestattet mit einer bemerkenswerten Bridge und einem noch wesentlich eingängigeren Refrain, frisst sich Tommy Giles Rogers Jr. Stimme in die Gehörgänge.

Völlig überraschend gestaltet sich der letzte Song „Blot“: Harmlos sanft beginnend, wird die anfänglich indisch angehauchte Spielerei mit einem Gitarrenspiel aufgebrochen, welches irritierend, da unfertig wirkt. Dennoch ist es genau diese vermeintliche zusammenhanglose Spielerei auf den Saiten, welches nach einigen Durchgängen immer wieder im Ohr auftaucht – ein verkappt genialer Lead. Aber nicht nur das; mit einer Spielzeit im zweistelligen Bereich avanciert der letzte Track von „Automata I“ zu einem erstklassigen Longtrack, der zu keiner Sekunde langatmig wirkt oder mit Überraschungen geizt.

Obwohl der Spagat zwischen weichen Harmonien, anfänglich überfordernden Taktbrüchen, allerlei Motiven und sich aufbauenden Prog-Metal-Hymnen häufig scheitert, bringen BETWEEN THE BURIED AND ME bereits im Opener den Beweis dafür, dass das gelingen kann – und belegen es mit jedem weiteren Song von „Automata I“. Auch wenn dieses Album äußert fordernd ist und sich nicht vor einer Handvoll Durchläufe erschließen lässt, wächst die Begeisterung umso mehr, sobald sich der Zugang zu dieser Platte geöffnet hat, denn THE BURIED AND ME sind hierauf schlichtweg in kompositorischer Bestform!

Rivers of Nihil – Where Owls Know My Name

Der Herbst ist angekommen bei RIVERS OF NIHIL: Nachdem sie mit ihrem Debüt „The Concious Seed Of Light“ (2013) den Frühling einleiteten und sich zwei Jahre später im Sommer befanden mit „Monarchy“, legen die US-Amerikaner nun mit ihrem dritten Album den dritten Teil ihres Jahreszeiten-Zyklus vor.

Auf „Where Owls Know My Name“ agiert das Quintett allerdings fernab von lieblichen Kauz-Gesang und liefert erneut das, womit sich die jungen Herren vor fünf Jahren erstmals einen Namen machten: mit abwechslungsreichen Tech-Death. Fans haben vor dem Einlegen des Drittwerks mit Sicherheit noch die gute Steigerung im Hinterkopf, die RIVERS OF NIHIL vom Debüt bis zu „Monarchy“ hinlegten; die Hoffnung, dass auch mit „Where Owls Know My Name“ eine gewisse Steigerung einhergehen könnte, lässt sich nicht von der Hand weisen.

Im ersten Moment dürfte die Kinnlade allerdings nicht wegen dem Eintreten der erhofften Steigerung unten bleiben, sondern wegen dem erwachseneren, etwas düsteren und weitaus weniger verspielten Sound. Die Amerikaner überraschen nämlich nicht mit einer Steigerung ihres bisherigen Schaffens, sondern mit der Hinzunahme neuer Stilelemente. Seien es Pink-Floydeske Gitarrenläufe oder der Einbau eines Saxophons, RIVERS OF NIHIL erweitern ihr Klangspektrum um neue, beinah ungewöhnliche Ingredienzien. Einen deutlichen Schritt in den Hintergrund sind dabei die häufig wechselnden Motivwechsel getreten, die das Debüt der Amerikaner charakterisierten. Dadurch mausert sich „Where Owls Know My Name“ auch nicht zu der Tech-Death-Granate, die hätte erwartet werden können, sondern bedarf einiger Durchläufe mehr, um a) den Schock über die verloren gegangene Tech-Death-Lastigkeit zu überwinden und b) den Zugang zum vergleichsweise schwerer erschließbaren Werk zu finden.

Während „Monarchy“ wie der reifere Bruder von „The Concious Seed Of Light“ klang, erinnert „Where Owls Know My Name“ an den etwas verschrobenen, aber dennoch mit interessanter Aura ausgestatteten Onkel der Beiden. Diese Metapher passt insofern gut, als die ersten beiden Alben tatsächlich in einer deutlicheren Linie zueinander stehen als es „Where Owls Know My Name“ tut. Ohrwurm-taugliche Refrains und raffiniert inszenierte Rhythmenwechsel weichen nun den weniger charakteristischen Gesanglinien von Dieffenbach und Songs, in denen sich einige Längen eingeschlichen haben. Wirkten die Songs der vorherigen Alben zu abwechslungsreich, um langatmig sein zu können, arbeiten RIVERS OF NIHIL auf „Where Owls Know My Name“ mit sich aufbauenden Tracks, die stellenweise in gute finale Parts münden, mitunter allerdings zu gestreckt wirken. Die Entwicklung, dass die Amerikaner pro Album im Schnitt zehn Minuten mehr Musik auf den Silberling hauen, darf unter diesem Gesichtspunkt eher kritisch betrachtet werden.

Längere Songs, die stellenweise leider auch genau so wirken, mit einer Interpretation, die das herbstliche Motiv der Platte allerdings hervorragend zur Geltung bringt; „Where Owls Know My Name“ lässt Kritik und Lob gleichermaßen zu und stellt somit das erste Album von RIVERS OF NIHIL dar, welches nicht grundsätzlich und durchweg gut ist. Vielmehr zeigen die Amerikaner, dass ihre Handfertigkeiten zum Aufbau von wachsenden Tracks noch nicht überzeugend genug sind, um diese Songs mitreißend zu gestalten und um eine Spannung zu erzeugen, die sich bis zur letzten Sekunde halten kann.

Somit deutet „Where Owls Know My Name“ eine Tendenz an, mit der RIVERS OF NIHIL liebäugeln: Weniger Komplexität für mehr Atmosphäre. Dass dieser Wandel noch im Umbruch und nicht abgeschlossen ist, zeigt sich auf dem dritten Album des Quintetts deutlich. Es bleibt weiterhin spannend im Hause RIVERS OF NIHIL.