Interview mit Gleb Kolyadin von Iamthemorning

  • English Version

    Ever since their last album „Lighthouse“, for which singer Marjana Semkina and pianist Gleb Kolyadin alias IAMTHEMORNING even received the Progressive Music Award, the Russian chamber-/progressive-pop duo has become known as a shining star on the firmament of the progressive part of the music world. On the occasion of the release of the equally breathtaking follow-up album „The Bell“ we asked Kolyadin some questions about his inspiration for the album, the coordination of the numerous guest contributions and his view of the world.



    Let’s first of all go back to your musical roots: When and how did you come to realize that you want to make music professionally?
    I have been making music since childhood, so for me, it is just a natural process to continue to do it further. I graduated from the conservatory as a classical pianist, but in recent years it has turned out that I spend about the same amount of time writing and performing. Marjana began to compose songs when she was at university, a few years before we met. But serious successes occurred when we met and began to do something together. I think that none of us thought then about what would happen in the end. We just made the first album, then the second, third and so on… In other words, we just continue to do what we like.

    I suppose, the music you play in IAMTHEMORNING is sometimes quite hard to play. Would you say that you’re a perfectionist in this matter?
    Yes, I think that perfectionism is our main feature. We always strived to take the quality of what we do as seriously as possible, be it a musical arrangement or a video clip. For music, I can’t say that it is difficult to perform. Every time we try to do something new for us as performers so that it is interesting to play. But we also think about how the ordinary listener will perceive this music. Therefore, we always have to find a balance between complexity and accessibility. I think that in this aspect we still have much to strive for.

    Your songs are mainly associated with chamber pop, progressive rock and classical music – but not with the genre of metal. Do you nevertheless have some kind of connection to metal?
    Well, first of all, Marjana is a huge fan of metal and she has a lot of friends from Ne Obliviscaris, Tesseract, Haken, and many other prog-metal bands. So, probably, there may be some connection in her vocal parts and some aesthetics. Although personally it seems to me that musically we are as far from metal. I think it all depends on the opinion of a particular listener.

    Although the release of your debut was only a few years ago, you’ve already achieved quite a lot – you’re signed to a renown label, you have worked with many artists from the prog scene and your latest album „Lighthouse“ even won a Prog Music Award. What do you think are the main reasons for this quick success of your project?
    I think the whole thing is a combination of quality music, beautiful visual content and competent communication. Marjana and I have an unspoken division of responsibilities – I deal more with the music part, and she with the communicative part between the label, the manufactories and the listeners. The industry has changed dramatically in recent years, and the importance of communication between the performer and the listener is now very important. Nevertheless, I do not lose hope to live to those times when you can just make music without thinking about other technical things. I would be happy to just create and share music, but this is a rather idealistic view of things. You are right that we achieved certain success rather quickly, but on the other hand, we have been doing this for almost ten years. It may be a fairly short period, but sometimes things seem insanely slow. In other words, I am trying to say that we worked hard and selflessly during these years, refusing many amenities to achieve the desired result. This is probably the whole secret.

    Concerning your new album titled „The Bell“ you were inspired by the art and culture of Victorian England and song cycles from the 19th century. In which way do you think do these influences show themselves on the album?
    First of all, in the lyrics. There are a lot of references to stories and legends. Marjana is a real specialist in this field, so much so that she can already give excursions to various thematic places in England. This experience and knowledge were reflected in the general theme of the album. As for the musical form, I initially wanted the new album to be not just a collection of songs, but a kind of whole story. Therefore, at some point, I thought it would be great to put all the finished developments into a certain sequence where each track would be independent, but at the same time harmoniously continue the line of the previous one. Given that this time the music was more chamber and dark, I began to have various associations with Schubert’s vocal cycles. And I realized that in fact, in terms of music form, we got something like a song cycle in two parts where some keynotes go from one track to another. If we add to this that each of the songs is somehow dedicated to the theme of human cruelty, then it also unites all the music with additional semantic meaning. In other words, this is the album where the lyrics and music are equal, working in contrast and complementing each other.

    Why did you decide to name the album „The Bell“ instead of choosing the title from one of the other songs on the album?
    As you may have noticed, two long tracks are framing the album – „Freak Show“ and „Salute“. But the last track („The Bell“) is a certain epilogue, an afterword, which together with this also serves as a kind of source code. This is the main track on the album that decrypts all the previous ones. In this regard, it should be interesting to start listening to the album in the second round, because this time you will otherwise perceive everything that you heard earlier. Also, the name of this track was reflected on the cover, which depicts a tombstone with a bell in which an accidentally buried alive could ring.

    The songs tell individual stories, but are all more or less about human cruelty. Would you nevertheless call it a concept album?
    I think yes. Perhaps this album does not look as solid from a musical point of view as „Lighthouse“, but it is the lyrics that give it the general mood. It turns out that sometimes stylistically scattered musical numbers gather into a single whole precisely because of the theme of the lyrics. Therefore – yes, we can say that this is a concept album.

    The record is also divided into two parts. What is the difference between the two parts?
    First of all, we initially imagined that the album would be released on vinyl, so we consciously made an album in two parts. Secondly, it just seemed to me that this is the perfect sequence. After a powerful title track, there is a certain emotional decline, the music becomes more chamber, dark and even at times mystical. Even the „Six Feet“ finale, despite the climax, still wilts and leaves us in silence. Therefore, the second part works in contrast with the first and feels more dynamic so the listener has the opportunity to live the subsequent music more emotionally.

    The nine tracks often sound dramatic and melancholic, but occasionally also cheerful. In your opinion, how does this fit in with the rather oppressive lyrical concept?
    I always try to make polyphonic music. I mean, in addition to some details in the musical arrangement, it seems very interesting to me when the text and the music go in a kind of counterpoint. This makes it possible to see both lyrics and music differently, to make the final image more saturated and voluminous. In general, it seems to me that very few people manage to combine sad texts with sad music well or vice versa. Often the final result sounds pretty empty and stereotyped. Therefore, I am glad that this time we managed to find such a balance between sad and cheerful mood.
    But there is also another important aspect. Sometimes cheerful music is not what it seems. Modern society sometimes makes us be cheerful and meet certain social standards, one of which is to be a positive minded person. From everywhere, streams of information flow on us about how everything around is good and beautiful. But in truth, sometimes there is not much good around. And sometimes a person has to deceive himself following this „positive“ reality, hiding real feelings. So I would imagine that this seemingly funny music is something like a nervous laugh of a person with serious psychological problems.

    The description of the lyrical concept also says that it also relates to today’s time and that humanity still has to grow more empathetic. What do you think is the reason for this general lack of compassion?
    I think that the problem is that we do not always know how to listen to ourselves. We are largely subject to outside influence and do not always understand that there is a problem within us that needs to be understood, accepted and somehow resolved. It turns out to be much easier to withdraw into oneself or to take out anger and resentment against someone else. A lot of terrible events are due to jealousy or envy. Perhaps even more – because of children’s complexes and stereotypical thinking that remain in some of us throughout life. All this is compounded by some terrifying informational noise, in which we finally cease to be aware of ourselves as a spiritual unit. It seems to me that it is very important that each of us sometimes stop and look deep into ourselves, clearing ourselves of the noise of external and internal.

    Let’s also speak about the musical aspects of the songs. From a technical point of view, the track „Lilies“ stands out pretty much. Did you want to challenge yourselves with this piece?
    I remember that somehow I accidentally picked up these changing harmonies on the piano, wrote them down and forgot about this idea for almost a year. And then we just sorted through the old drafts and came across this one. It lasted only a minute, so I had to think about how to develop it and finish it. But the more I played it, the more I realized that it was something like classical music, so in the final, I wanted to add a bit of stylization to Schumann. In general, such a stylization somehow happened quite by accident. I don’t think it was any kind of challenge in terms of composition. But when the recording started, it seems that it was the most difficult composition for both me and Marjana.

    I have the impression that some of your new songs are a bit more opulent than your previous material, with even more guest contributions. Was that your intention and if so, for what reason?
    It so happened that this album is mainly built on piano and guitar. Therefore, we just wanted to keep this chamber feel, without adding anything superfluous. In other words, we did what seemed to us the most appropriate for this music, inviting precisely those musicians who could carefully add their playing without changing the original vibe.

    There are a lot of guest musicians contributing to your albums in general. Would you say that it is difficult to coordinate all these collaborations?
    Usually, on the contrary, this is a rather fascinating process. Some bands gather in the studio and write together all the material at once, but we have a completely different approach. Most of our albums are studio albums. I often give the analogy that there are a theatre and cinema. The theatre is what is happening here and now. Cinema is a more meticulous process when the director tries to achieve the result he needs because he will not have the opportunity to change anything. I love the theatre, but our work is more like a movie. We have a script, there are characters and various technical means. And we just step by step record track by track, having the opportunity somewhere to correct and finish something right in the process, and always be able to make the final editing. It was this concept that helped us bring together great musicians and do something that we couldn’t do live. Just because it was unlikely that it was possible to gather such different musicians from different countries in one place.

    Many of the musicians you have already worked with have a good reputation in the prog scene. Are there any specific artists that you would like to collaborate with in the future – maybe even from a completely different musical background?
    I think it all depends on the specific material. I would have to collaborate with someone from jazz or world music because these genres are beginning to interest me more and more. But then again, it is very important to maintain individuality and original idea. We never attracted someone known solely for the sake of marketing, we did it only because we understood that this person would add something that we need now. This is the most important thing – to do with those means that do not harm the music.

    Due to the numerous guest contributions, a large selection of different instruments is used in many of your songs. Do you also maybe consider creating an entire album simply as a duo with just vocals and piano?
    On this album, we were one step away from this idea. I think that it is likely that this will happen. For example, I love our duet concerts – this gives incredible freedom in performance and imagination here and now. As I mentioned above – before that we made albums reminiscent of a movie, and it would be interesting to make a duet album someday just like an analogy of theatre.

    You released a self-titled solo album a while ago. Are there maybe any plans for a solo album by Marjana as well?
    As far as I know, Marjana is in full swing preparing a solo release and I bet it will be great!

    What are your next plans for IAMTHEMORNING?
    In the autumn we have a short tour, part of which will be held together with Riverside, and there are also several concerts next year in Europe. I think that shortly, each of us will for some time engage in their solo activity, to create something beautiful with fresh strength. We also had the idea of re-publishing our debut album, and maybe even re-recording some things. But these are only ideas so far.

    Finally I would like to go through a short brainstorming with you. What comes to your mind first while reading the following terms?
    Climate crisis: I hope our planet will live up to the moment when humanity finds a way to fly to another to destroy it too.
    Vitas: Do you mean that strange guy in a tight silver outfit? It seems like we all have to go to another planet.
    Pop music: An incurable virus. We all get sick.
    Social media: Information noise from which there’s no escaping.
    Tori Amos: Vodka and cranberry juice.
    The European Union: A relationship that must go on.

    Thanks again for your answers. Are there any last words that you would like to address to the readers?
    Thanks, everyone! Take care of yourself, your ears and your mind.
    Have a good time and see you soon.

  • Deutsche Version

    Spätestens seit seinem letzten Album „Lighthouse“, für das Sängerin Marjana Semkina und Pianist Gleb Kolyadin alias IAMTHEMORNING sogar der Progressive Music Award verliehen wurde, gilt das russische Chamber-/Progressive-Pop-Duo als leuchtend heller Stern am Firmament des progressiven Teils der Musikwelt. Anlässlich der Veröffentlichung der nicht minder atemberaubenden Nachfolgerplatte „The Bell“ haben wir Kolyadin einige Fragen zu seiner Inspiration für das Album, der Koordination der zahlreichen Gastbeiträge und seiner Sicht auf die Welt gestellt.



    Gehen wir zu Beginn kurz zu deinen musikalischen Wurzeln zurück: Wann und wodurch bist du zu der Erkenntnis gelangt, dass du professionell Musik machen möchtest?
    Ich mache seit meiner Kindheit Musik, daher war es für mich nur ein natürlicher Prozess, es weiterhin zu tun. Ich habe das Konservatorium als klassischer Pianist abgeschlossen, aber in den letzten Jahren hat sich herausgestellt, dass ich etwa genauso viel Zeit mit Schreiben und Aufführen von Musik verbringe. Marjana fing an, Lieder zu komponieren, als sie an der Universität war, ein paar Jahre bevor wir uns trafen. Aber es kam erst zu ernsthaften Erfolgen, als wir uns trafen und begannen, gemeinsam etwas zu kreieren. Ich denke, dass keiner von uns damals darüber nachgedacht hat, was am Ende passieren würde. Wir haben einfach das erste Album gemacht, dann das zweite, das dritte und so weiter… Mit anderen Worten, wir machen einfach weiterhin, was uns gefällt.

    Die Musik, die ihr in IAMTHEMORNING spielt, ist spielerisch mitunter ziemlich anspruchsvoll. Würdest du dich diesbezüglich als Perfektionisten bezeichnen?
    Ja, ich denke, dass der Perfektionismus unser Hauptmerkmal ist. Wir waren stets bestrebt, die Qualität dessen, was wir tun, so ernst wie möglich zu nehmen, sei es ein musikalisches Arrangement oder ein Videoclip. Über die Musik kann ich nicht sagen, dass es schwierig ist, sie zu spielen. Wir versuchen jedes Mal, etwas für uns als Interpreten Neues zu tun, sodass es interessant bleibt, zu spielen. Aber wir denken auch darüber nach, wie der normale Zuhörer diese Musik wahrnehmen wird. Deshalb müssen wir immer ein Gleichgewicht zwischen Komplexität und Zugänglichkeit finden. Ich denke, dass wir in diesem Bereich noch viel zu lernen haben.

    Eure Songs werden vor allem mit Chamber Pop, Progressive Rock und Klassik in Verbindung gebracht – mit Metal hingegen nicht. Habt ihr dennoch in irgendeiner Form einen Bezug zu Metal?
    Nun, zuerst einmal ist Marjana ein großer Fan von Metal und sie hat viele Freunde in Ne Obliviscaris, Tesseract, Haken und vielen anderen Prog-Metal-Bands. Vielleicht merkt man das ihren Gesangsparts und unserer Ästhetik an. Obwohl ich persönlich den Eindruck habe, dass wir musikalisch gesehen so weit vom Metal entfernt sind, wie man es nur sein kann. Ich denke, es hängt alles von der Meinung des jeweiligen Zuhörers ab.

    Obwohl der Release eures Debüts erst ein paar Jahre zurückliegt, habt ihr schon viel erreicht – ihr seid bei einem angesehenen Label, habt mit vielen Künstlern aus der Prog-Szene zusammengearbeitet und euer letztes Album „Lighthouse“ wurde sogar mit einem Prog Music Award ausgezeichnet. Wie erklärst du dir diesen schnellen Erfolg eures Projekts?
    Ich denke, das Ganze ist eine Kombination aus hochwertiger Musik, schönen visuellen Inhalten und kompetenter Kommunikation. Marjana und ich haben eine unausgesprochene Aufgabenteilung – ich beschäftige mich mehr mit dem Musikteil und sie mit dem kommunikativen Teil zwischen dem Label, den Manufakturen und den Hörern. Die Branche hat sich in den letzten Jahren dramatisch verändert und die Bedeutung der Kommunikation zwischen dem Performer und dem Hörer ist heute sehr wichtig. Dennoch verliere ich nicht die Hoffnung daran, in einer Zeit zu leben, in der man einfach Musik machen kann, ohne an andere technische Dinge denken zu müssen. Ich würde gerne einfach nur Musik machen und sie mit anderen teilen, aber das ist eine eher idealistische Sicht auf die Dinge. Du hast Recht, dass wir ziemlich schnell einen gewissen Erfolg erzielt haben, aber auf der anderen Seite machen wir seit fast zehn Jahren unser Ding. Es kann eine ziemlich kurze Zeitspanne sein, aber manchmal scheinen die Dinge wahnsinnig langsam vonstatten zu gehen. Mit anderen Worten, ich versuche zu sagen, dass wir in diesen Jahren hart und selbstlos gearbeitet haben und viele Annehmlichkeiten ablehnten, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen. Das ist wahrscheinlich das ganze Geheimnis.

    Für euer neues Album „The Bell“ habt ihr euch von der Kunst und Kultur des viktorianischen Englands und Liederzyklen aus dem 19. Jahrhundert inspirieren lassen. In welcher Form macht sich dieser Einfluss deiner Meinung nach auf dem Album bemerkbar?
    Zuallererst im Text. Es gibt darin viele Hinweise auf Geschichten und Legenden. Marjana ist eine echte Expertin auf diesem Gebiet, so sehr, dass sie diesbezüglich bereits Führungen zu verschiedenen Orten in England machen kann. Diese Erfahrung und dieses Wissen spiegelt sich im allgemeinen Thema des Albums wider. Was die musikalische Form betrifft, so wollte ich zunächst, dass das neue Album nicht nur eine lose Sammlung von Songs ist, sondern eine Art Geschichte. Deshalb dachte ich irgendwann, dass es toll wäre, alle fertigen Entwicklungen in eine bestimmte Reihenfolge zu bringen, in der jeder Track für sich steht, aber gleichzeitig harmonisch die Linie des vorherigen fortsetzt. Da die Musik diesmal kammermusikartiger und dunkler wurde, begann ich, verschiedene Assoziationen mit Schuberts Gesangszyklen herzustellen. Und ich erkannte, dass wir in der Tat, was die Musikform betrifft, so etwas wie einen Songzyklus in zwei Teilen kreiert hatten, bei dem einige Schlüsselnoten von einem Track zum anderen führen. Wenn man dann noch bedenkt, dass jedes der Lieder irgendwie dem Thema der menschlichen Grausamkeit gewidmet ist, dann vereint es die gesamte Musik zusätzlich auch hinsichtlich der semantischen Bedeutung. Mit anderen Worten, dies ist das Album, in dem Text und Musik gleichwertig sind, im Kontrast zueinander stehen und einander gegenseitig ergänzen.

    Aus welchem Grund habt ihr euch dazu entschieden, das Album „The Bell“ zu benennen und nicht etwa nach einem der anderen Songs?
    Wie du vielleicht bemerkt hast, rahmen zwei lange Tracks das Album ein – „Freak Show“ und „Salute“. Aber der letzte Track („The Bell“) ist ein gewisser Epilog, ein Nachwort, das zugleich auch als eine Art Quellcode dient. Dies ist der Haupttrack auf dem Album, der alle vorherigen entschlüsselt. In diesem Zusammenhang sollte es interessant sein, das Album im zweiten Durchlauf zu hören, denn dann wird man alles wahrnehmen, was man zuvor eigentlich schon gehört hat. Der Name des Tracks spiegelt sich außerdem auf dem Cover wider, das einen Grabstein mit einer Glocke zeigt, an der ein versehentlich lebendig Begrabener klingeln konnte.

    Die Songs erzählen einzelne Geschichten, drehen sich aber alle mehr oder weniger um menschliche Grausamkeit. Würdest du trotzdem sagen, dass es sich um ein Konzeptalbum handelt?
    Ich denke schon. Vielleicht macht dieses Album musikalisch nicht so einen ganzheitlichen Eindruck wie „Lighthouse“, aber es sind die Texte, die ihm die allgemeine Stimmung verleihen. Es stellt sich mitunter heraus, dass sich manchmal stilistisch verstreute Musiktitel gerade wegen des Themas der Texte zu einem Ganzen zusammenfügen. Deshalb – ja, man kann sagen, dass dies ein Konzeptalbum ist.

    Die Platte ist außerdem in zwei Teile gegliedert. Worin unterscheiden sich die beiden Abschnitte voneinander?
    Erstens haben wir uns ursprünglich vorgestellt, dass das Album auf Vinyl veröffentlicht wird, also haben wir bewusst ein Album in zwei Teilen gemacht. Zweitens schien es mir einfach, dass dies die perfekte Reihenfolge ist. Nach einem kraftvollen Titeltrack kommt es zu einem gewissen emotionalen Niedergang, die Musik wird kammermusikartiger, dunkler und manchmal sogar mystischer. Selbst das Finale von „Six Feet“ verwelkt trotz seines Höhepunkts immer noch und lässt uns in Schweigen zurück. Daher funktioniert der zweite Teil als Kontrast zum ersten Teil und fühlt sich dynamischer an, sodass der Zuhörer die Möglichkeit hat, die nachfolgende Musik emotionaler zu erleben.

    Die neun Tracks klingen zum Teil dramatisch und melancholisch, vereinzelt aber auch frohsinnig. Wie passt das deiner Meinung nach mit dem doch ziemlich bedrückenden Textkonzept zusammen?
    Ich versuche immer, polyphone Musik zu machen. Ich meine, neben einigen Details in der musikalischen Gestaltung erscheint es mir sehr interessant, wenn der Text und die Musik in einer Art Kontrast funktionieren. Dies ermöglicht es, sowohl Texte als auch Musik unterschiedlich zu sehen, um das endgültige Bild satter und voluminöser zu machen. Im Allgemeinen scheint es mir, dass es nur sehr wenigen Menschen gelingt, traurige Texte mit trauriger Musik gut zu kombinieren oder umgekehrt. Oft klingt das Endergebnis ziemlich leer und stereotypisch. Deshalb bin ich froh, dass es uns diesmal gelungen ist, ein solches Gleichgewicht zwischen trauriger und heiterer Stimmung zu finden.
    Aber es gibt noch einen weiteren wichtigen Aspekt. Manchmal ist fröhliche Musik nicht das, was sie zu sein scheint. Die moderne Gesellschaft drängt uns manchmal, fröhlich zu sein, und bestimmte soziale Standards zu erfüllen, zu denen auch die positive Einstellung gehört. Von überall her fließen Informationsströme über uns, die uns weißmachen, wie gut und schön alles um uns herum ist. Aber in Wahrheit gibt es manchmal nicht viel Gutes. Und manchmal muss sich ein Mensch selbst täuschen, indem er dieser „positiven“ Realität folgt und echte Gefühle verbirgt. So stelle ich mir vor, dass diese scheinbar lustige Musik so etwas wie ein nervöses Lachen eines Menschen mit schweren psychologischen Problemen ist.

    In der Beschreibung des Textkonzepts steht außerdem, dass es auch für die heutige Zeit relevant ist und dass die Menschheit nach wie vor empathischen Aufholbedarf hat. Was, denkst du, ist der Grund für diesen Mangel an Mitgefühl?
    Ich denke, das Problem ist, dass wir nicht immer wissen, wie wir uns selbst zuhören sollen. Wir sind weitgehend äußeren Einflüssen ausgesetzt und verstehen nicht immer, dass es in uns ein Problem gibt, das verstanden, akzeptiert und irgendwie gelöst werden muss. Es erweist sich als viel einfacher, sich in sich selbst zurückzuziehen oder Wut und Ressentiments gegen jemanden anderen zu richten. Viele schreckliche Ereignisse sind auf Eifersucht oder Neid zurückzuführen. Vielleicht sogar noch weiter zurück – wegen der Komplexe und des stereotypen Denkens, die man als Kind entwickelt und die ein Leben lang in einigen von uns bleiben. All dies wird noch verstärkt durch einen erschreckenden Informationslärm, in dem wir uns schlussendlich nicht mehr als spirituelle Einheit wahrnehmen. Mir scheint, dass es sehr wichtig ist, dass jeder von uns manchmal innehält und tief in sich hineinschaut und sich vom Lärm des Äußeren und Inneren befreit.

    Lass uns auch noch über die musikalischen Aspekte der Songs sprechen. Aus spieltechnischer Sicht sticht vor allem „Lilies“ sehr heraus. Wolltet ihr euch bei diesem Stück selbst herausfordern?
    Ich erinnere mich, dass ich diese wechselnden Harmonien irgendwie zufällig auf dem Klavier aufgenommen, aufgeschrieben und fast ein Jahr lang vergessen habe. Und dann haben wir uns einfach die alten Entwürfe angesehen und sind darauf gestoßen. Es war nur eine Minute lang, also musste ich darüber nachdenken, wie ich es entwickeln und beenden konnte. Aber je öfter ich es spielte, desto mehr wurde mir klar, dass es sich um eine Art klassische Musik handelte, also wollte ich das Finale ein wenig wie Schumann stilisieren. Im Allgemeinen geschah diese Stilisierung irgendwie ganz zufällig. Ich glaube nicht, dass es eine Herausforderung in Bezug auf die Komposition war. Aber als es ans Aufnehmen ging, kam heraus, dass es, wie es scheint, die schwierigste Komposition für mich und Marjana war.

    Ich habe den Eindruck, dass eure neuen Songs zum Teil etwas opulenter sind als euer vorheriges Material, mit noch mehr Gastbeiträgen. War das von euch so beabsichtigt und falls ja, aus welchem Grund?
    Wie es der Zufall will, war dieses Album hauptsächlich auf Klavier und Gitarre basiert. Deshalb wollten wir nur dieses Kammermusik-Feeling bewahren, ohne etwas Überflüssiges hinzuzufügen. Mit anderen Worten, wir haben das getan, was uns für diese Musik am besten geeignet erschien, und genau die Musiker eingeladen, die die Musik durch ihr Spiel sorgfältig ergänzen konnten, ohne die ursprüngliche Stimmung zu verändern.

    Auf euren Alben sind generell sehr viele Gastmusiker involviert. Würdest du sagen, dass es schwierig ist, all diese Kollaborationen zu koordinieren?
    Normalerweise ist sogar das Gegenteil der Fall, es ist ein ziemlich faszinierender Prozess. Einige Bands versammeln sich im Studio und schreiben das gesamte Material auf einmal, aber wir haben einen ganz anderen Ansatz. Die meisten unserer Alben sind Studioalben. Ich nenne oft die Analogie, dass es ein Theater und ein Kino gibt. Das Theater ist das, was hier und jetzt passiert. Das Kino ist ein akribischerer Prozess, wobei der Regisseur versucht, das Ergebnis zu erzielen, das er braucht, weil er keine Gelegenheit hat, etwas zu ändern. Ich liebe das Theater, aber unsere Arbeit ist eher wie ein Film. Wir haben ein Skript, es gibt Charaktere und verschiedene technische Mittel. Und wir haben die Möglichkeit, etwas im Prozess zu korrigieren und abzuschließen und immer in der Lage zu sein, die endgültige Bearbeitung vorzunehmen. Es war dieses Konzept, das uns geholfen hat, großartige Musiker zusammenzubringen und etwas zu tun, was wir live nicht schaffen konnten. Weil es unwahrscheinlich war, so unterschiedliche Musiker aus verschiedenen Ländern an einem Ort zusammenbringen zu können.

    Viele der Musiker, mit denen ihr bereits zusammengearbeitet habt, haben einen guten Ruf im Prog-Bereich. Gibt es noch bestimmte Künstler, mit denen ihr in Zukunft gerne kollaborieren würdet – vielleicht auch aus einer ganz anderen Musikszene?
    Ich denke, es hängt alles vom jeweiligen Material ab. Ich müsste mit jemandem aus dem Jazz oder der Weltmusik zusammenarbeiten, weil mich diese Genres immer mehr interessieren. Aber andererseits ist es sehr wichtig, die Individualität und die ursprüngliche Idee zu erhalten. Wir haben nie jemanden zu uns geholt, der bekannt ist, nur um des Marketings willen, sondern wir haben es nur getan, weil wir verstanden haben, dass diese Person etwas beitragen würde, das wir benötigen. Das ist das Wichtigste – mit den Mitteln zu arbeiten, die der Musik nicht schaden.

    Durch die zahlreichen Gastbeiträge kommt in vielen eurer Songs eine große Auswahl an unterschiedlichen Instrumenten zum Einsatz. Würde es dich auch reizen, mal ein ganzes Album zu zweit aufzunehmen, nur mit Gesang und Klavier?
    Auf diesem Album waren wir nur einen Schritt von dieser Idee entfernt. Ich denke, dass es wahrscheinlich ist, dass es mal dazu kommen wird. Zum Beispiel liebe ich unsere Duettkonzerte – das gibt mir unglaubliche Freiheit in der Performance und Fantasie im Hier und Jetzt. Wie ich bereits erwähnt habe – zuvor haben wir Alben gemacht, die an einen Film erinnern, und es wäre interessant, eines Tages ein Duettalbum zu machen, genau wie bei der Analogie zum Theater.

    Du hast vor einer Weile ein selbstbetiteltes Soloalbum veröffentlicht. Gibt es vielleicht auch Pläne für ein Soloalbum von Marjana?
    Soweit ich weiß, ist Marjana gerade vollauf damit beschäftigt, eine Solo-Veröffentlichung vorzubereiten und ich wette, es wird großartig!

    Was sind eure nächsten Pläne für IAMTHEMORNING?
    Im Herbst machen wir eine kurze Tournee, auf der wir teilweise zusammen mit Riverside spielen werden, und im nächsten Jahr gibt es auch mehrere Konzerte in Europa. Ich denke, dass wir beide in Kürze für einige Zeit unsere Solo-Aktivitäten verfolgen werden, um etwas Schönes mit frischer Kraft zu schaffen. Wir hatten auch die Idee, unser Debütalbum neu zu veröffentlichen und vielleicht sogar einige Dinge neu aufzunehmen. Aber das sind bisher nur Ideen.

    Zum Abschluss möchte ich mit dir gerne noch ein kurzes Brainstorming durchgehen. Was fällt dir als erstes zu den folgenden Begriffen ein?
    Klimakrise: Ich hoffe, dass unser Planet bis zu dem Moment leben wird, in dem die Menschheit einen Weg findet, zu einem anderen zu fliegen, um diesen auch zu zerstören.
    Vitas: Meinst du den seltsamen Kerl in dem engen silbernen Outfit? Es scheint, als müssten wir alle auf einen anderen Planeten fliehen.
    Popmusik: Ein unheilbarer Virus. Wir werden alle krank.
    Social Media: Informationsrauschen, aus dem es kein Entrinnen gibt.
    Tori Amos: Wodka und Cranberrysaft.
    Die Europäische Union: Eine Beziehung, die weitergehen muss.

    Nochmals vielen Dank für deine Antworten. Gibt es noch ein paar letzte Worte, die du an die Leser richten möchtest?
    Danke an alle! Achtet auf euch selbst, eure Ohren und euren Geist.
    Ich wünsche euch eine schöne Zeit und bis bald.

Dieses Interview wurde per E-Mail geführt.
Zur besseren Lesbarkeit wurden Smilies ersetzt.

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