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Long Distance Calling – Boundless

Der Gesangsausflug mit dem norwegischen Sänger Petter Carlsen (Pil & Bue) im Rahmen des letzten Longplayers „Trips“ zeigte eine progressivere Seite der Instrumental-Rocker LONG DISTANCE CALLING, konnte aber dennoch qualitativ deutlich punkten. Ihr sechstes Studioalbum „Boundless“, das dieses Mal auch komplett ohne Gastsänger auskommt, widmet sich nun wieder den Wurzeln der Deutschen. Damit rückt die Band wieder näher an den Post-Rock heran, in dessen Spektrum sich die Musiker seit ihrem selbstbetitelten Album nicht mehr sehen.

„Out There“, das zweitlängste der acht neuen Stücke, kommt auf knapp neun Minuten Laufzeit und dient als Opener des Albums. Neben wuchtigen Riffs und dem knackigen Drumming, bestehen auch die filigranen Gitarrenparts und elektronischen Effekte in dem abwechslungsreichen Song. In den kürzeren Titeln sind dann aber doch die brachialeren Parts federführend, wie es beispielsweise „Ascending“ und „The Far Side“ eindrucksvoll beweisen. Es geht aber auch anders, wie das in sich ruhende „Like A River“ mit Gastmusikern an Cello und Trompete unter Beweis stellt, das als Hommage an Komponist Ennio Morricone zu verstehen ist. Dessen orchestraler Klang und Italo-Western-Charme wurden hier sehr gut eingefangen.

Eine der Bedeutungen des Albumtitels „Boundless“ ist laut Bassist Jan Hoffmann, dass er als Symbol für das Reisen steht, da für viele Fans der Band die Musik eine Art Reisen im Kopf sei. Dieser Faktor ist allgegenwärtig in der Musik von LONG DISTANCE CALLING. Dies steht auch im direkten Zusammenhang mit dem Artwork, dass die Band beim Wandern in den Dolomiten zeigt und die Reihenfolge der acht Songs, die für den Weg vom Grund bis zum Gipfel stehe. Vor allem „In The Clouds“ und das abschließende „Skydivers“ sind diesem Zweck mehr als nur dienlich. Gerade der Jam-Charakter, der auf „Nighthawk“ so unwiderstehlich funktionierte, wurde hier sehr gut eingefangen und mit einiger Kreativität angereichert.

LONG DISTANCE CALLING wollten zurück zu den Wurzeln und wieder freier musizieren – das ist ihnen mit „Boundless“ vollauf gelungen. So laden die Musiker nicht nur zu einer gedanklichen Reise einer mal mehr, mal weniger beschwerlichen Bergwanderung ein, sondern haben mit dem Schrauben am Härtegrad und einigen innovativen Ideen ihren typischen Sound auf ein neues Level gehoben. Diese Fülle an verschiedensten Details und Klängen macht das Album überaus spannend. „Boundless“ ist ohne Zweifel ein spannendes Instrumental-Rockalbum geworden, aber wohl auch das bisher stärkste und in sich stimmigste der Bandgeschichte.

Collapse Under The Empire – The Fallen Ones

Drei Jahre mussten sich Post-Rock-Fans nach der Komplettierung des Doppel-Konzeptalbums aus „Shoulders & Giants“ (2011) und „Sacrifice & Isolation“ (2014) gedulden. Nun endlich sind COLLAPSE UNDER THE EMPIRE zurück: „The Fallen Ones“ lautet der Titel des nunmehr sechsten Studioalbums des Hamburger Duos.

Mag der Stil des Covers in Form eines futuristischen Gemäldes sich auch drastisch von den Foto-Covern des Doppel-Konzeptalbums wie auch den sehr puristisch gehaltenen Artworks der zwischengeschobenen Werke („Fragments Of A Prayer“, 2012, und „The Silent Cry“, 2013) unterscheiden – Angst vor allzu großen stilistischen Veränderungen braucht kein Fan zu haben.

Auch 2017 bleiben COLLAPSE UNDER THE EMPIRE nämlich ihrem über nunmehr knapp zehn Jahre etablierten Stil treu. Wenn auch vielleicht einen Tick verletzlicher und melancholischer als die Vorgängeralben, zeigen die beiden Hamburger einmal mehr, wie breit gefächert sie stilistisch aufgestellt sind. Von monumental („The Fallen Ones“) über stark elektronisch geprägt („Blissful“) bis zu feinfühlig arrangiert („Flowers From Exile“) – COLLAPSE UNDER THE EMPIRE ziehen auch diesmal alle Register.

Die wahre Stärke des Duos liegt jedoch in der gefühlvollen Kombination all dieser Elemente: So bauen COLLAPSE UNDER THE EMPIRE mit ihren (elektronischen) Mitteln von Anbeginn an packende, sich durch konstant gesteigerte Intensität und Lautstärke immer bedrohlicher zusammenbrauende Songs, die es in diesem Aspekt durchaus mit den japanischen Großmeistern dieser Disziplin – der Post-Rock-Instanz Mono – aufnehmen können.

So gelingt es COLLAPSE UNDER THE EMPIRE auch mit ihrem sechsten Album, völlig ohne Gesang, mal traurige, mal mutige Geschichten zu erzählen. Bei aller musikalischen Vielfalt haben alle neun Songs eines gemeinsam: Sie bleiben spannend bis zum Schluss. So ist COLLAPSE UNDER THE EMPIRE auch diesmal ein wahres musikalisches Kleinod gelungen: Dynamischer, gefühlvoller und mitreißender kann Post-Rock kaum klingen.

Amenra

  • Englische Version

    Hi Colin, thanks a lot for taking time for this interview! How are you doing?
    I am doing okay thank you. We are currently driving to Leipzig overnight. We play there tonight. And our bassplayer, Levy, is driving a 1300km right before a show. It’s madness. People don’t always realize that, we left home at 2AM to play a show at 11PM.

    First, congratulations on your new record „Mass VI“. Are you satisfied with how the album turned out and with the reactions of fans and press so far?
    Thank you very much. Yes, it was the first time that I believed in the album, as soon as it was recorded. Mostly I am extremely uncertain of its outcome, and reviews and testimonies persuade me of its ’success‘ after a while. We are extremely happy of how it is received, and all the good reviews and comments. I do believe that it’s a new milestone in our existence.

    You decided to give the record two different mixes in Europe and the US, as well as a different artwork. How do they differ and why did you decide to do this?
    In AMENRA we really know what we want, sound and aesthetic wise. So we like to do as much as we can ourselves, to make it just the way we want it to be.

    The more people involved the more you stray from your intentional goal or wish. That is mainly why we have a EU version, where we went wild on the vinyl, making it a 2x180gr LP 45rpm vinyl. For optimal sound results, a custom sleeve etc. Wasn’t a smart economic decision though, postage and production wise etc.. But for us it always needs to be an object of art. Or something as close to it as possible. We really want the things to be like we want it.

    The photographer we worked with, Stephan Vanfleteren, also made a beautiful series of photographs, and it was obvious for us to ‚play‘ with that, instead of going the easy route, and just copy pasting it in different templates.

    As for the mixes, we always wondered what would happen to our music if it goes to different producer/sound engineer’s hands. And this time we had the means to do so. So we had Billy mixing and producing the album for one version (US), and Jack Shirley for another version (EU). It was interesting to hear the different nuances etc., and realise the importance of mixes and masters.

    What is the message of the cover art in your opinion and how is it linked to the music and the lyrics on „Mass VI“?

    There is an expression in different languages: „Svanesang“, „La mort du cygne“, etc. We’ve almost been around for 20 years and this time round we succeeded in writing another album. There is an ending to everything, and the longer we exist the more aware I am that that ending might be coming closer, or more present. Also we are mere humans and there is probably also a limits to our musicmanship or creative skills. I have difficulty believing that it is possible to keep on growing or bettering yourself as a band.

    As for the cover art itself. The photograph of the swan truly spoke to me. It really embodies and visualized what we created with “Mass VI”. I always look for an image that comes as close as possible to what we have written.

    The swan is a beautiful and gracious, yet ferocious animal. It demands a certain respect, and forces you to maintain distance while observing its beauty. And here the swan’s life has come to an end. Even after its death, it still demands respect. It still has its beauty and grace. The silence, the rest that comes from this image is striking. The Calm. Eternal Sleep. It’s a farewell, a good bye. In everything we do, also hides that farewell. We say goodbye in everything we do.

    How would you say that „Mass VI“ separates itself from its predecessors? How are all the entries in the series linked to each other?
    The series of Masses? I can say MASS III and MASS VI would be what I suspect to be turning points in our „career“. You can easily google my essay from the independent, where I analyse that, as well as our 2009-2014 book. I and II is where we were looking for our way into the musical world. III is where we found our way, IIII and V is where we perfected that way. And presumably VI is where we opened a new door again.

    Could you imagine releasing a heavy album that is not a continuation of the „Mass“-series?
    Of course, why not? We are our own masters. If it doesn’t make sense to us to name it Mass, we won’t. We have Afterlife and Alive already, etc.

    This time there is a lot more of clean singing than on your previous records. How did this come about?
    I think I grew more certain of my clean singing, through playing acoustic shows, my solo project CHVE and numerous cooperations and vocal contributions to befriended projects. I was free there, could reign over a new land. And through time it became a new voice inside my head. Where in the past my innervoice was „scream vocals“, I now have a second voice.

    How do you usually write your songs? Do you all meet up or does someone do the composing?
    For this album, we lacked the time to endlessly jam and discuss every note played, like we did in the past. So all the guitar players worked at home looking for parts and ideas. Whereas we now had Levy writing with us for the first time, who was already comfortable working in that matter. So he really put the machine in motion and wrote a lot of guitars for VI. He knew and liked the band before ever playing in it, so was able to work from a whole different view, while we all had written at least six AMENRA albums before. It was really nice to have this new wind blow through the writing process.

    Did your acoustic record have an influence on the way of writing songs and lyrics compared to your earlier records?
    I think we felt more comfortable in the more acoustic clean parts of the album. It came more naturally, it’s like a new language we had just learned to speak

    There are three languages used on the album. How do you decide which language is the right one for which song?
    It comes naturally. I continuously write things down in books, sometimes it had phrases in Dutch, French, even German; things that made sense to me, spoke to me. It’s just a decision to make, you follow that inner voice. Whatever language that speaks, that’s the language you take.

    What do the two Flemish Interludes talk about and why did you decide to use interludes this time?
    They are what the french call ‚des points de repères‘. Moments where everything comes back to ‚one‘, where you come back to yourself, where you center your being. Hard to explain. We felt you needed those moments in the album. They should feel like a moment, where someone just puts his or her hand on your shoulder, and looks you in the eye. A faint smile. Right before you dive back into it.

    They’re dutch poems, our native tongue makes it possible for us to ‚work‘ the words more. To make it sound right, have an undertow, of meaning. That is only graspable by those whom speak the language. It’s where we put everything AMENRA does into the least words possible. Say more, with less.

    You released a very symbolic and atmospheric video for „Children Of The Eye“. Why did you choose that song and can you talk a little bit about the symbolism used in the video?
    Our friend Wim Reygaert, who did the first AMENRA visuals live ever, around the time of the MASS III release, directed the video. DOP Maxim Dierickx made the COR and 23.10 DVD for us around 2008. It’s obvious for us to fall back on friends who’ve known us for over a decade. We need less words to explain things to each other.

    “Children of the Eye” is a clear attack on an invisible enemy. We address the moments in time or life, where there is no clear person or place to direct your anger or frustration to. It’s the moments in time where you have to endure a situation, without being able to do anything about it. It’s the situations in life that are of such a magnitude that they turn your life upside down, against your will. But you simply have to live with it, and find ways to make it a part of your ’new‘ life. It is where, no matter how hard you try, and how hard you work, fate decides for you. And you will bow down to that. It’s about not giving up, and losing hope. It’s about being together in that moment, even though they are the loneliest times in a human’s life.

    As your mesmerizing music, your live shows are almost a ritual and really intense. Did you decide from the beginning to immerse yourself into the combination of visuals and minimalistic lighting?
    Pretty much; the minimal, filmic and repetitive nature of our music quickly directed us towards the use of visuals and close to no lights live. We wanted to be complete. Work on all senses. Help people to get lost in the moment/music. We like to make the moment our own. The bigger we get the harder it gets though, production wise.

    You toured together with Converge and Neurosis in the US this year – how was that experience, on stage and backstage?
    Mindblowing. They both influenced us along the way, they’re both bands who carved their way through an existing musical landscape, and just mowed right through it. They had and have a clear vision where they don’t uphold any expectation or demand. They just do whatever comes into their minds or souls. I really respect that.

    How both bands really took us under their wing to make this US tour possible for us was heartwarming. They helped us out with everything. We knew each other from EU shows and became friends throughout the years, so all went really natural. Best tour we ever had.

    Are there any specific countries or cities you enjoy playing more than others?
    I might be speaking for myself, but I look back to Greek and Russian shows with a certain melancholy. Of course, European Capitals are nice too, as well as some US cities.

    How do you think festival shows are different from club shows and which do you prefer?
    Club shows obviously. It’s more intimate. We have more time to make the place our own. You have half a day to prepare your production instead of half an hour. The cool thing about festivals is that you reach more people, it’s more of a challenge, feels more like guerrilla warfare. Whereas clubs tend to give us more control.

    You are an integral part of the Belgian Alternative-Music-scene, especially with Church Of Ra. How would you describe the scene and how does it differ from other countries?
    It probably does not differ from other scenes or countries, where befriended bands help each other out as much as they can. I can’t really say, cause i can’t speak for the world.

    How did the idea for Church of Ra come up in the beginning?
    The knowledge of us not being alone, it being more than the five musicians who make the music.

    Are there any specific plans for shows next year or maybe even already new music on the horizon?
    Lots of touring and playing shows. I think we’ll all be putting attention to our side- and other projects now, since this one is written. Wiegedood and Oathbreaker are writing, Absent in Body, CHVE and Syndrome will follow. New projects and cooperations etc. And I believe next one up for us will be an acoustic album. You never know.

    I would like to end the interview with our traditional Metal1.info-brainstorming. What is the first thing that comes to your mind when you hear the following terms:
    Religion: Belief
    Black and White: Light over darkness
    Cold: Warmth
    Belgium: Home
    AMENRA in 10 years: Present

    The last words are yours – is there anything left you want to tell our readers?
    Gratitude. Eternal gratitude to all involved in our path of existence.

  • Deutsche Version

    Mit „Mass VI“ haben AMENRA ihr vielleicht bisher bestes, auf jeden Fall aber ihr ausgereiftestes Werk vorgelegt. Wir sprachen mit Sänger Colin Van Eeckhout über die Entstehung des Albums, das tiefere, symbolische Konzept und dessen Inhalt, den Mythos der Church Of Ra und das Tourleben der Band.

    Colin, vielen Dank, dass du dir Zeit für dieses Interview genommen hast! Wie geht es dir?
    Mir geht es ganz gut, danke. Gerade fahren wir über Nacht nach Leipzig. Wir spielen heute Abend dort. Und unser Bassist Levy fährt 1300 km direkt vor einer Show. Es ist Wahnsinn! Die Leute merken es meistens nicht, dass wir um 2 Uhr morgens zu Hause aufbrechen, um eine Show um 23 Uhr zu spielen.

    Zunächst herzlichen Glückwunsch zu eurem neuen Album „Mass VI“. Bist du zufrieden mit dem Ergebnis und den Reaktionen der Fans und der Presse?
    Vielen Dank! Ja, es war das erste Mal, dass ich an das Album geglaubt habe, sobald es aufgenommen war. Meistens bin sehr unsicher gegenüber dem Resultat, und Rezensionen und Zeugnisse überzeugen mich erst nach einer Weile von seinem „Erfolg „. Wir freuen uns sehr über die Resonanz und die guten Bewertungen und Kommentare. Ich glaube, es ist ein neuer Meilenstein in unserer Bandgeschichte.

    (c) Stephan Vanfleteren

    Ihr habt euch entschieden, der Platte zwei verschiedene Mixe und zwei unterschiedliche Artworks in Europa und den USA zu geben. Worin unterscheiden sie sich und was sind die Gründe dafür?
    In AMENRA wissen wir, was wir wollen, klanglich und ästhetisch. Wir tun also gerne so viel wie wir können, um es so zu gestalten, wie wir es uns wünschen.

    Je mehr Menschen involviert sind, desto mehr weicht man von seinem eigenen gewollten Ziel oder Wunsch ab. Das ist der größte Grund, warum wir eine EU-Version haben, bei der wir uns mit der Vinyl-Ausgabe ausgetobt haben und eine 2x180gr LP 45rpm Vinyl gemacht haben, optimale Klangergebnisse, eine maßgeschneiderte Hülle etc. Das war aber keine kluge wirtschaftliche Entscheidung, was Porto und Produktion etc. betrifft. Aber für uns muss es immer ein Kunstobjekt sein, oder etwas, das so nah wie möglich dran ist. Es ist uns sehr wichtig, dass die Dinge so sind, wie wir es wollen.

    Der Fotograf, mit dem wir gearbeitet haben, Stephan Vanfleteren, hat auch eine wunderschöne Fotoserie gemacht, und es lag für uns auf der Hand, damit zu‘ spielen‘, anstatt den einfachen Weg zu gehen und die Bilder einfach in verschiedene Vorlagen einzufügen.

    Was die Mixe angeht, haben wir uns immer gefragt, was mit unserer Musik passieren würde, wenn sie an verschiedene Produzenten/Soundtechniker geht. Und diesmal hatten wir die Mittel dazu. Also hatten wir Billy als Mixer und Produzent für eine Version (US) und Jack Shirley für eine andere Version (EU). Es war interessant, die verschiedenen Nuancen zu hören und die Bedeutung von Mixen und Mastern zu erkennen.

    Was ist deiner Meinung nach die Botschaft des Cover-Artworks und wie ist es mit der Musik und den Texten auf „Mass VI“ verknüpft?
    Es gibt einen Ausdruck in verschiedenen Sprachen.“Svanesang“, “ La mort du cygne“, usw. Uns gibt es jetzt seit fast 20 Jahren und dieses Mal ist es uns gelungen, ein weiteres Album zu schreiben. Es gibt ein Ende für alles, und je länger wir existieren, desto bewusster bin ich mir darüber, dass dieses Ende näherkommen könnte oder präsenter wird. Auch wir sind nur Menschen und es gibt wahrscheinlich eine Grenze für unser musikalisches Können oder unsere kreativen Fähigkeiten. Ich habe Schwierigkeiten, daran zu glauben, dass es möglich ist, als Band weiter zu wachsen oder sich selbst zu verbessern.

    Zum Artwork selbst: Das Foto des Schwans hat wirklich zu mir gesprochen. Es verkörpert und visualisiert das, was wir mit „Mass VI“ geschaffen haben. Ich suche immer nach einem Bild, das dem, was wir geschrieben haben, so nahe wie möglich kommt. Der Schwan ist ein wunderschönes und graziöses, aber wildes Tier. Es verlangt einen gewissen Respekt und zwingt einen dazu, Distanz zu wahren und gleichzeitig seine Schönheit zu beobachten. Und hier ist das Leben des Schwans zu Ende. Auch nach seinem Tod verlangt es noch immer Respekt. Er hat immer noch seine Schönheit und Anmut. Die Stille, die von diesem Bild ausgeht, ist umwerfend. Die Ruhe. Ewiger Schlaf. Es ist ein Abschied. In allem, was wir tun, versteckt sich eine Verabschiedung. Wir sagen Auf Wiedersehen in allem, was wir tun.

    Worin unterscheidet sich „Mass VI“ von seinen Vorgängern und was ist die Gemeinsamkeit dieser Reihe?
    Die Reihe der Messen, meinst du? Ich kann sagen, dass „Mass III“ und „Mass VI“ dem entsprechen, was ich als Wendepunkte in unserer „Karriere“ bezeichnen würde. Dazu kann man leicht meinen Essay im Independent googeln, in dem ich das analysiere. Gleiches gilt für unser Buch 2009-2014. „I“ und „II“ sind der Ort, an dem wir den Weg in die musikalische Welt gesucht haben. „III“ ist der Moment, an dem wir unseren Weg gefunden haben, „IIII“ und „V“ sind die Stellen, an denen wir ihn perfektioniert haben. Und vermutlich ist „VI“ der Moment, in dem wir wieder eine neue Tür geöffnet haben.

    Könnt ihr euch vorstellen, ein hartes Album zu veröffentlichen, das keine Fortsetzung der „Mass“-Reihe ist?
    Natürlich, warum nicht? Wir sind unsere eigenen Herren. Wenn es für uns keinen Sinn ergibt, es „Messe“ zu nennen, werden wir es nicht tun. Wir haben bereits Afterlife und Alive, usw.

    Diesmal gibt es viel mehr Klargesang als auf euren bisherigen Platten. Wie kam es dazu?
    Ich denke, ich bin sicherer in meinem Cleangesang geworden, unter anderem durch das Spielen von akustischen Shows, durch mein Soloprojekt CHVE und durch zahlreiche Kooperationen und gesangliche Beiträge in befreundeten Projekten. Ich war dort frei und konnte quasi über ein neues Land regieren. Im Laufe der Zeit hat sich das zu einer neuen Stimme in meinem Kopf entwickelt. Wo früher meine innere Stimme noch „Schrei-Gesang“ war, habe ich jetzt eine zweite Stimme.

    Wie schreibt ihr eure Songs normalerweise? Treffen Sie sich alle oder komponiert jemand?
    Für dieses Album fehlte uns die Zeit, um endlos zu jammen und jede gespielte Note zu besprechen, wie in der Vergangenheit. Alle Gitarristen arbeiteten zu Hause und suchten nach Teilen und Ideen. Dieses Mal hat zum ersten Mal Levy bei uns mitgeschrieben, der sich mit diesem Verfahren bereits wohl fühlte. So hat er die Maschine wirklich in Bewegung gesetzt und viele Gitarren für „Mass VI“ geschrieben. Er kannte und mochte die Band, bevor er überhaupt in ihr spielte, also konnte er aus einer ganz anderen Perspektive arbeiten, während wir alle mindestens schon sechs AMENRA-Alben geschrieben hatten. Es war wirklich schön, diesen neuen Wind in den Schreibprozess zu bringen.

    Hatte euer Akustik-Album einen Einfluss auf die Art und Weise, wie ihr Songs und Texte geschrieben habt, vor allem im Vergleich zu euren früheren Platten?
    Ich glaube, wir haben uns dadurch wohler in den akustisch und cleanen Teilen des Albums gefühlt. Es kam natürlicher, es war wie eine neue Sprache, die wir gerade gelernt hatten.

    Es gibt drei Sprachen auf dem Album. Wie entscheidest du, welche Sprache für welchen Song die richtige ist?Es kommt von selbst. Ich schreibe ständig etwas in Bücher, manchmal hatte ich Phrasen in niederländisch, französisch oder deutsch; Dinge, die Sinn für mich ergaben, mit mir sprachen. Es ist nur eine Entscheidung, die man treffen musst, indem du dieser inneren Stimme folgst. Die Sprache, die du dort hörst, ist die Sprache, die du nimmst.

    (c) Stephan Vanfleteren

    Wofür stehen die beiden flämischen Interludes und warum habt ihr euch diesmal für Interludes entschieden?
    Sie sind das, was die Franzosen „des points de repères“ nennen. Momente, in denen alles wieder „eins“ wird, in denen du zu dir selbst zurückkehrst, in denen du dein Wesen zentrierst. Schwer zu erklären. Wir dachten, dass es diese Momente auf dem Album braucht. Sie sollten sich wie ein Moment anfühlen, in dem jemand seinen Arm auf deine Schulter legt und dir in die Augen sieht. Ein schwaches Lächeln. Kurz bevor du wieder hineintauchst.

    Es sind niederländische Gedichte. Unsere Muttersprache macht es uns möglich, Worten stärker zu ‚ bearbeiten‘, damit sie richtig klingen und einen symbolischen Unterton haben, der nur von denen verstanden werden kann, die die Sprache sprechen. Diese Interludes sind das, in denen wir alles, was AMENRA tut, so knapp sagen wie möglich. Mehr mit Weniger sagen.

    Ihr habt ein sehr symbolisches und atmosphärisches Video für „Children Of The Eye“ veröffentlicht. Warum habt ihr euch für diesen Song entschieden und kannst du ein wenig über die Symbolik des Videos sprechen?
    Unser Freund Wim Reygaert, der die ersten AMENRA-Visuals live während der „Mass III“-Veröffentlichung gemacht hat, hat das Video gedreht. DOP Maxim Dierickx hat die „COR“ und „23.10.“-DVD für uns 2008 gemacht. Es liegt auf der Hand, dass wir auf Freunde zurückgreifen, die uns seit über einem Jahrzehnt kennen. Wir brauchen weniger Worte, um uns gegenseitig Dinge zu erklären.

    „Children Of The Eye“ ist ein klarer Angriff auf einen unsichtbaren Feind. Wir sprechen die Momente in der Zeit oder dem Leben an, in denen es keine klare Person und keinen eindeutigen Ort gibt, wogegen man seine Wut oder Frustration richten kann. Es sind die Momente, in denen man eine Situation aushalten muss, ohne in der Lage zu sein, etwas dagegen zu tun. Die Situationen im Leben, die von einer solchen Größe sind, dass sie das Leben gegen den eigenen Willen auf den Kopf stellen. Aber man muss einfach damit leben und Wege finden, es zu einem Teil seines „neuen“ Lebens zu machen. Dort, wo das Schicksal für dich entscheidet, egal wie sehr du dich auch anstrengst und wie hart du arbeitest. Und dem wirst dich beugen. Es geht darum, nicht aufzugeben und die Hoffnung zu verlieren. Es geht darum, in diesem Moment zusammen zu sein, obwohl es die einsamsten Zeiten im Leben eines Menschen sind.

    So wie eure hypnotisierende Musik sind auch eure Live-Shows fast schon ein Ritual und sehr intensiv. Habt ihr euch von Anfang an dafür entschieden, euch in die Kombination aus Visuals und minimalistischer Beleuchtung zu hüllen?
    Quasi von Anfang an; die minimalistische, filmische und repetitive Natur unserer Musik hat uns schnell auf den Gebrauch von Visuals und einer minimalistischen Beleuchtung gebracht. Wir wollten komplett sein. An allen Sinnen arbeiten. Den Leuten helfen, sich im Moment bzw. der Musik zu verlieren. Wir machen den Moment zu unserem eigenen. Je größer wir werden, desto schwieriger wird das allerdings produktionsbedingt.

    Dieses Jahr habt ihr gemeinsam mit Converge und Neurosis in den USA getourt. Wie war das, auf der Bühne und hinter den Kulissen?
    Umwerfend. Beide haben uns auf unserem Weg beeinflusst und beide sind Bands, die ihren Weg durch die bestehende Musiklandschaft gemacht haben und einfach durch sie hindurch gemäht sind. Sie hatten und haben eine klare Vision, und müssen keine Erwartungen und Forderungen erfüllen. Sie tun einfach, was auch immer in ihren Köpfen oder Seelen vor sich geht. Ich respektiere das wirklich.

    Wie beide Bands uns unter ihre Fittiche genommen haben, um diese US-Tournee für uns möglich zu machen, war herzerwärmend. Sie haben uns bei allem geholfen. Wir kannten uns von EU-Shows und wurden im Laufe der Jahre Freunde, sodass alles ganz natürlich verlief. Die beste Tour, die wir je hatten.

    Gibt es bestimmte Länder oder Städte, in denen ihr am liebsten spielt?
    Ich spreche vielleicht für mich selbst, aber ich schaue mit einer gewissen Melancholie auf unsere Shows in Griechenland und Russland zurück. Europäische Hauptstädte sind natürlich auch schön, ebenso wie einige US-Städte.

    Wie unterscheiden sich Festivalshows von Clubshows und was bevorzugt ihr?
    Club-Shows natürlich. Es ist intimer. Wir haben mehr Zeit, uns den Ort zu eigen zu machen. Dort hat man einen halben Tag Zeit, um die Produktion vorzubereiten, anstatt einer halben Stunde. Das Coole an Festivals ist, dass man mehr Leute erreicht, es ist eher eine Herausforderung, fühlt sich mehr wie Guerilla-Kriegsführung an. Die Clubs geben uns tendenziell mehr Kontrolle.

    Ihr seid ein integraler Bestandteil der belgischen Alternative-Music-Szene, besonders mit der Church Of Ra. Wie würdet ihr die Szene beschreiben und wie unterscheidet sie sich von anderen Ländern?
    Es unterscheidet sich wahrscheinlich nicht von anderen Szenen oder Ländern, in denen befreundete Bands sich gegenseitig helfen, soweit sie können. Ich kann es nicht wirklich sagen, denn ich kann nicht für die Welt sprechen.

    Wie kam die Idee für Church of Ra damals zustande?
    Durch das Wissen, dass wir nicht allein sind, sondern mehr als fünf Musiker, die Musik machen.

    Gibt es konkrete Pläne für Shows im nächsten Jahr und ist vielleicht schon neue Musik geplant?
    Es wird zahlreiche Tourneen und Auftritte geben. Ich denke, wir werden uns jetzt auf unsere Seiten- und andere Projekte konzentrieren, da dieses Kapitel geschrieben ist. Wiegedood und Oathbreaker schreiben, Absent in Body, CHVE und Syndrome werden folgen, neue Projekte und Kooperationen etc. Ich glaube, dass wir mit AMENRA als nächstes ein akustisches Album machen werden. Aber man weiß nie.

    (c) Stephan Vanfleteren

    Ich möchte das Interview mit unserem traditionellen Metal1.info-Brainstorming beenden. Was ist das erste, das dir in den Sinn kommt, wenn du die folgenden Begriffe hörst:
    Religion: Glaube
    Schwarz und Weiß: Licht über Dunkelheit
    Kälte: Wärme
    Belgien: Heimat
    AMENRA in 10 Jahren: Gegenwart

    Die letzten Worte sind deine – gibt es noch etwas, was du unseren LeserInnen mitteilen möchtest?
    Dankbarkeit. Unendliche Dankbarkeit an alle, die auf unserem Weg begleiten.

Das Album des Jahres 2017 …

… kommt aus Tokyo: Unter den zwölf Gewinnern in der Kategorie „Album des Monats“ aus dem vergangenen Jahr konnten sich in unserer redaktionsinternen Abstimmung HEAVEN IN HER ARMS mit ihrem im Juni erschienenen Werk “White Halo” durchsetzen.

Gegen so starke Konkurrenz wie Converge (deren Lied „Heaven In Her Arms“ Pate für den Bandnamen unserer Gewinner steht), Mastodon und Der Weg einer Freiheit hat sich unsere Reaktion für dieses Post-Hardcore-Meisterwerk entschieden. Mit Einflüssen aus Post Rock und Black Metal ist das dritte Album der Japaner eine emotionale, im Hardcore getränkte Achterbahnfahrt, die man immer wieder begehen muss. Spätestens jetzt müssen HEAVEN IN HER ARMS mit der Post-Hardcore-Legende Envy genannt werden.

Wir gratulieren!

Zum Review gelangt ihr mit einem Klick auf die Award-Grafik:

>> Alle Alben aus dem Jahr 2017 im Überblick

Last Leaf Down – Bright Wide Colder

Die Schweizer LAST LEAF DOWN gründeten sich 2003 als Dark-Metal-Band, haben sich jedoch in weiterer Folge immer mehr vom Shoegaze inspirieren lassen – eine Entwicklung, die an Katatonia zur Zeit von „Brave Murder Day“ erinnert. Während die heutigen Dark-Rocker damals noch viel doomigen Metal in ihrem Sound hatten, haben sich LAST LEAF DOWN inzwischen gänzlich dem Shoegaze verschrieben. Mit „Bright Wide Colder“ hat ihr 2014er Debüt „Fake Lights“ inzwischen einen vielversprechenden Nachfolger bekommen. Nun stellt sich die Frage, ob das Quintett damit die Fans von Alcest, Slowdive und Mogwai ansprechen kann, auf die es damit offensichtlich abzielt.

Das bedächtige „Purple Skies“ eröffnet den Reigen tatsächlich sehr stimmungsvoll mit hallenden, perlenden Clean-Gitarren und leicht träumerischem, aber auch sehr melancholischem Gesang. Schon das darauffolgende „Ghost Trails“ markiert eindeutig den Höhepunkt der Platte. Hier entzünden LAST LEAF DOWN mit ihren schmerzerfüllten, sehnsüchtigen Vocals und ihren intensiven Gitarrenkaskaden sowie ihren niederdrückenden Drums ein wahres Feuerwerk der Emotionen. Gänsehaut ist hier vorprogrammiert. Diese zwei ersten Tracks bilden die stilistischen Pole, zwischen denen sich LAST LEAF DOWN bewegen, und zugleich die Highlights des Albums.

Nach diesem fesselnden Auftakt fällt „Bright Wide Colder“ jedoch leider merklich ab. Die Stilmittel – bestehend aus schwermütigen Cleans, verwaschenen, unverzerrten Gitarren, trübsinnigen Leadmelodien und simplem, songdienlichem Schlagzeugspiel – bleiben zwar dieselben, doch ab „Blind Mind“ sind die Kompositionen bei weitem nicht mehr so berührend. „Not The Same“, auf dem die eigentümlichen Melodien das Gefühl von Nostalgie und Vergänglichkeit vermitteln, und das wehklagende „Dust“ können noch einigermaßen an das eröffnende Zweigespann anknüpfen, ansonsten fehlt es jedoch über weite Strecken an dem gewissen Etwas.

Dieser Eindruck wird nochmals dadurch verstärkt, dass LAST LEAF DOWN ganze 13 Songs zu insgesamt 55 Minuten auf ihr zweites Album gepackt haben, was in diesem Fall eindeutig zu viel ist. Ein wirklich misslungenes Stück findet man darauf zwar nicht, aber auf Dauer können die an sich stimmigen, aber eher unspektakulären Gesänge und die gefühlt oft nach demselben Schema arrangierten Gitarrenklänge nicht so sehr mitreißen, wie es die Band bezweckt haben wird. Ein weiteres kleines Problem ist die Produktion, die zwar größtenteils ordentlich, aber seltsamerweise ein wenig gedämpft klingt.

LAST LEAF DOWN haben auf „Bright Wide Colder“ durchaus ein paar beeindruckende Songs kreiert, von denen eine enorme emotionale Wirkung ausgeht – leider aber auch einige Nummern, die nur durchschnittlich bis ziemlich gut sind. Es handelt sich um die klassische Problemstellung, die sich daraus ergibt, wenn man Quantität über Qualität stellt. Um diese in Zukunft zu umgehen, sollten sich die Schweizer mehr auf ihre Stärken besinnen, ihre Tracks mehr reifen lassen und dafür auf den einen oder anderen verzichten. Dass LAST LEAF DOWN viel Potential in sich tragen, beweisen sie dennoch mehr als nur einmal – hörenswert ist der Nachfolger ihres Debüts also auf jeden Fall.

Emphasis – Black.Mother.Earth

Post-Rock/Metal eignet sich nach weit verbreiteter Ansicht gut, um damit vor dem inneren Auge Bilder von weiten, hellen Landschaften zu malen. So in etwa machen es auch EMPHASIS aus Kroatien. Sein drittes Album „Black.Mother.Earth“, benannt nach einem Buch von Kristian Novak, der dieselbe Gegend wie die Musiker sein Zuhause nennt, hat das Quartett seiner Heimatregion gewidmet. Die rosarote Romantiker-Brille dürften EMPHASIS jedoch schon länger abgelegt haben, denn auch wenn sich auf ihrem Drittwerk einige wahrhaft schöne Momente finden, ist es doch wesentlich düsterer und trostloser als viele andere Veröffentlichungen in diesem Genre.

Schon im Eröffnungstrack „Muna“ zeigen EMPHASIS, wo es bei ihnen lang geht: Mit bedrückenden Clean-Gitarren und klagendem, mehrstimmigem Gesang baut sich die Nummer gemächlich auf und steigert sich immer mehr zu einem tragischen Trauermarsch. Dass man sich im Post-Rock Zeit nehmen muss, um einen Song allmählich an seine Klimax heranzuführen, haben EMPHASIS definitiv verinnerlicht. Das treiben die Kroaten sogar so weit, dass sie alle Tracks auf „Black.Mother.Earth“ fließend ineinander übergehen lassen, was die Platte wie einen einzigen, 40-minütigen Longtrack wirken lässt. Dies liegt jedoch nicht etwa daran, dass die Nummern einander zu sehr ähneln würden, ganz im Gegenteil. Immer wieder gehen EMPHASIS mit metallischer Härte vor, also konkret mit heiseren Shouts, dissonant dröhnenden Gitarren und bratendem Bass.
Dennoch finden die Songs immer wieder zurück zu den vielseitigen Clean-Gitarren, die zum Teil absichtlich sehr reduziert eingesetzt werden. Wie es schon das in Grautönen gehaltene Artwork suggeriert, rufen EMPHASIS mit ihren durchdachten Kompositionen ein Gefühl urbaner Hoffnungslosigkeit hervor, ein im Post-Rock häufig anzutreffendes Leitmotiv. Wer bereits zwischen den Zeilen gelesen hat, wird den ersten Kritikpunkt an „Black.Mother.Earth“ inzwischen vielleicht schon entdeckt haben. EMPHASIS machen darauf nämlich vieles richtig – aber nur wenig überragend.
Ganz offensichtlich wissen die vier Musiker, wie man überwiegend instrumentale Post-Rock-Nummern arrangieren muss, um den Spannungsbogen aufrechtzuerhalten. Trotzdem sucht man vergeblich nach dem Besonderen, das EMPHASIS besser machen als ihre Kontrahenten im Genre. Darum macht das Album beim Hören einen durchaus interessanten Eindruck, hängen bleibt jedoch fast nichts. Erschwerend kommt dann noch das ziemlich gepresst klingende Shouting hinzu, auf das man hier besser ganz verzichtet hätte.

Abgesehen von dem deplatzierten Gesang gibt es eigentlich kaum etwas an der Ode, die die Kroaten ihrer Heimat gewidmet haben, auszusetzen. Die Songs sind gut aufeinander abgestimmt, abwechslungsreich und auf eine tragische Weise atmosphärisch. Besonders aufregend ist die Platte allerdings wiederum auch nicht, der Wiederhör- und Merkwert ist leider ziemlich gering. Wer sich allerdings durch die Thematik angesprochen fühlt oder nach einem trostlosen Post-Rock-Album zur Hintergrundbeschallung sucht, sollte mal reinhören. Bis es EMPHASIS mit Meistern des Genres wie Mono aufnehmen können, müssen sie aber noch einiges dazulernen. Und einen neuen Sänger finden oder auf Gesang verzichten.

Neun Welten – The Sea I’m Diving In

Eine deutsche Band, bei Prophecy Productions unter Vertrag, wendet sich nach einer jahrelangen Ruhepause ausgehend vom Neofolk hin zum Post-Rock – diese Beschreibung klingt verdächtig nach Empyrium, die diesen Schritt mit ihrer 2014er Platte „The Turn Of The Tides“ gewagt haben. Tatsächlich geht es hier jedoch um „The Sea I’m Diving In“, das inzwischen dritte Album von NEUN WELTEN, die es ihren Labelkollegen gleichtun und acht Jahre nach „Destrunken“ neue stilistische Wege gehen. Obwohl besagte Bands auf dem Papier somit praktisch dasselbe machen, ist das neue Werk des Trios mit seiner Wasserthematik und seinen zum Teil von Edgar Allan Poe adaptierten Texten weit davon entfernt, ein müder Abklatsch zu sein.

Wo „The Turn Of The Tides“ mit Bombast und Erhabenheit auf sich aufmerksam machte, liegt die Stärke von „The Sea I’m Diving In“ in seiner Subtilität. War die Musik von NEUN WELTEN vormals von Gegensätzen geprägt, die gleichermaßen einfühlsame, erdige Folk-Nummern wie enthemmte Crescendos, ja sogar Blast-Beats zuließen, so sind ihre Songs nun wesentlich einheitlicher, die Wogen wurden etwas geglättet. Introvertiert, in sich gekehrt – so klingen NEUN WELTEN im Jahr 2017.

Das liegt (vermeintlich paradoxerweise) vor allem an dem Gesang, der nun nicht mehr nur einzelnen Tracks vorbehalten ist, sondern die ganzen 50 Minuten über eine tragende Rolle spielt, ohne sich jedoch zu sehr ins Zentrum der Aufmerksamkeit zu drängen. Tief melancholisch und sanft, fast flüsternd singt Meinolf Müller erstmals ganz in englischer Sprache über allerlei Mystisches und Herzergreifendes. In manchen Passagen leider etwas zu unsicher und schwachbrüstig („Nocturnal Rhymes“) fügen sich die Vocals im Großen und Ganzen passend in die unaufdringlichen Kompositionen ein.

Diese sind in gleichem Maße von Neofolk und Post-Rock geprägt, eine ganzheitliche Abkehr von akustischer Musik haben NEUN WELTEN also nicht durchlaufen. Geheimnisvolle Akustikgitarren und sehnsüchtige, getragene Geigen („Lonesome October“) gehen Hand in Hand mit facettenreichen, sphärischen Clean-Gitarren, die die im unglaublich ästhetischen Artwork und in den Texten zum Ausdruck kommende Wassersymbolik auch auf musikalischer Ebene umsetzen und sich dabei bisweilen zu einem intensiven Tremolo auftürmen („In Mourning“).

Obwohl die einzelnen Tracks einander in Ausdruck und Stilistik ähneln, ist es doch bemerkenswert, wie weit das emotionale Spektrum ist, das NEUN WELTEN damit abdecken. Die Melancholie, die einen Großteil der Platte ausmacht, mündet etwa auf „In Mourning“ in schwere Trostlosigkeit, auf „Lonesome October“ in Einsamkeit und weicht auf „Earth Vein“ sogar einer schwelgenden Verzückung.

Völlig gleich ob NEUN WELTEN sich an ihre Neofolk-Vergangenheit halten („Human Fail“), sich ganz dem Post-Rock hingeben („Earth Vein“) oder beide miteinander vermengen, wie es auf „The Sea I’m Diving In“ weitgehend der Fall ist: Fest steht, dass sie mithilfe von Gastdrummer Niko Knappe (Dark Suns) und Produzent und Filmmusikkomponist Matthias Raue ein wirklich außergewöhnliches Album kreiert haben. Mag der Gesang teilweise auch noch etwas zu kraftlos erscheinen, ist „The Sea I’m Diving In“ doch ein rundum faszinierendes, unkonventionelles Stück Musik, in dem viel Herzblut steckt. Der Wandel, den NEUN WELTEN damit vollzogen haben, ist ihnen also zweifelsohne gelungen.

Suffocate For Fuck Sake – In My Blood

Nicht mit Alben, sondern durch Shows wird man bekannt“ lautet eine in Musikerkreisen bekannte Regel. Kein Wunder also, dass SUFFOCATE FOR FUCK SAKE noch immer Geheimtip-Status innehaben: Die skandinavischen Post-Metaller sind in den letzten zehn Jahren nicht einmal auf einer Bühne gestanden. Beides ist in Anbetracht ihres neuen Albums „In My Blood“ nur schwer nachvollziehbar: Zum einen würde sich die Musik perfekt eignen, damit kleine und große Clubs zu rocken – zum anderen hätten die Skandinavier entschieden mehr Aufmerksamkeit verdient.

Wer auf Post-Metal und Screamo steht, kommt an „In My Blood“ nämlich eigentlich kaum vorbei – auch, wenn er sich dessen bislang vielleicht nicht bewusst war. Bereits der Einstieg mit „Stina“ ist mitreißend: Was mit sanften, atmosphärischen Klängen und dem ersten von unzähligen Samples des schwedischen Radiomoderators Bosse Lunquist aus dessen Show „Födädlade Svenskar“ beginnt, steigert sich bald über den Einsatz der Screams und melancholischem Frauengesang hin zu druckvollem Post-Metal, ehe der Song wieder ruhig und mit einem weiteren Sample ausklingt.

Zackiger geht es in „I Am Your God“ zu, in dem SUFFOCATE FOR FUCK SAKE zunächst voll auf bedrohliches Post-Metal-Riffing setzen, ehe sie das Konstrukt durch einen ruhigen Mittelteil (mit Sample) unterbrechen. Zwar bleibt allen, die des Schwedischen nicht mächtig sind, der Inhalt der Sprachschnipsel verborgen – ihre beruhigende Wirkung als Fels in der Brandung wuchtiger Zerr-Gitarren bleibt davon jedoch unberührt.

Gerade der elegante Wechsel zwischen sanft und schroff macht bei SUFFOCATE FOR FUCK SAKE den Reiz aus: „Through The Gate“ klingt fast melancholisch aus, die Stimmung wird im Instrumental „33 Years Ago“ noch intensiviert, ehe „Sentence“ wieder den (Post-)Metal zu Wort kommen lässt. Doch selbst der härteste Track hat eine zarte Seite – einen Klargesang, eine verspielte Clean-Gitarre, eine Melodie, die verdeutlicht SUFFOCATE FOR FUCK SAKE können weit mehr als „nur“ böse Riffs schreiben und schreien.

„Are You Happy With Your Life?“ fasst „In My Blood“ zum Abschluss nochmal stimmig zusammen und bringt damit nochmal auf den Punkt, wofür der Name SUFFOCATE FOR FUCK SAKE steht: Die Spanne reicht hier von feinfühlig bis brutal, von bedrückend bis anmutig. Düster bleibt es dabei musikalisch betrachtet durchgehend – für einen Twist beziehungsweise die Brücke zur „Normalität“ sorgen die vielfach eingesetzten Sprach-Samples. Wer sich generell vom Präfix „Post-“ angezogen fühlt, kann – nein: sollte hier beherzt zugreifen.